Warum Kunst und Kreativität wichtig sind

Ihr Vorschulkind hat viel Spaß beim Malen mit verschiedenen Farben. Sie versuchen, sie zu ermutigen, und fragen sie: „Was machst du?“, und sie zuckt mit den Schultern. Bis Sie es erwähnten, hatte sie nicht darüber nachgedacht. Kunst und Kreativität ist für Kinder etwas ganz anderes wie für Erwachsene. Kleine Kinder sind Meister des Augenblicks – sie lieben es, wie es sich anfühlt, wenn sie Farbe auf das Papier schmieren, wie es aussieht, wenn sie Glitzer streuen, und sogar das leise Geräusch, das ein Pinsel macht, wenn er über die Seite fährt, sagt Amy Yang, Gründerin von Brooklyn Design Lab, einer Kunstschule für Kinder. Anders als ältere Kinder und Erwachsene sind die meisten Kleinkinder und Vorschulkinder nicht selbstbewusst in Bezug auf das, was sie tun, oder darauf konzentriert, ein fertiges Produkt zu schaffen. Das kann für Eltern schwer zu akzeptieren sein, sagt Lisa Ecklund-Flores, Mitbegründerin und Geschäftsführerin der Church Street School for Music and Art in New York City. Aber loszulassen – und den Kindern zu erlauben, den Prozess des Schaffens zu genießen – kann große Vorteile bringen. „Kinder sind langfristig besser dran, wenn man ihnen erlaubt, einfach im Moment zu sein und sich auszudrücken“, sagt sie.Warum Kunst? Die Förderung der Kreativität erhöht nicht nur die Chancen Ihres Kindes, der nächste Picasso zu werden. Sie helfen ihm auch bei seiner geistigen, sozialen und emotionalen Entwicklung, sagt Ecklund-Flores. Laut Mary Ann F. Kohl, Autorin von Primary Art, kann das Schaffen von Kunst und Kreativität die Fähigkeit von Kleinkindern zur Analyse und Problemlösung auf unzählige Arten fördern: It’s the Process, Not the Product. Wenn Kinder mit einem Pinsel hantieren, verbessern sich ihre feinmotorischen Fähigkeiten. Durch das Zählen von Teilen und Farben lernen sie die Grundlagen der Mathematik. Wenn Kinder mit Materialien experimentieren, beschäftigen sie sich mit der Wissenschaft. Am wichtigsten ist vielleicht, dass Kunst das Selbstvertrauen stärkt, wenn Kinder sich wohl fühlen, während sie etwas schaffen. Und Kinder, die sich in der Lage fühlen, zu experimentieren und Fehler zu machen, fühlen sich frei, neue Denkweisen zu erfinden, was weit über den Bastelraum hinausgeht. 6 Wege, Kreativität zu inspirieren Fördern Sie prozessorientierte Kunst mit den Ratschlägen von Leslie Bushara, stellvertretende Direktorin für Bildung am Children’s Museum of Manhattan. Frische Kunst-Ideen Diese Projekte von Kunstpädagogen gehen über das Kritzeln mit Markern oder Buntstiften hinaus und ermutigen Kinder, den Prozess des Kunstmachens zu genießen. Natürliche Arrangements: Stellen Sie Ihrem Kind natürliche Objekte wie Tannenzapfen, Steine, Stöcke, Blätter und Muscheln sowie eine leere Leinwand zur Verfügung. Lassen Sie es seine Naturmaterialien auswählen und in verschiedenen Mustern und Designs auf der Leinwand anordnen. Cathy Southerland, Leiterin der frühkindlichen Bildung im Children’s Museum of Indianapolis Rasierschaum-Leinwand: Sprühen Sie Rasierschaum auf ein Keksblech und geben Sie ein paar Tropfen Lebensmittelfarbe hinzu. Lassen Sie Ihr Kind die Farben mischen und Muster in den Schaum malen. Cathy Southerland, Leiterin der frühkindlichen Bildung im Children’s Museum of Indianapolis Drucken mit gefundenen Gegenständen: Nehmen Sie Alltagsgegenstände (Flaschendeckel, Holzstücke, ausgeschnittene Pappe, Obst- und Gemüsescheiben, Korken, Schwämme, Markierungskappen) und lassen Sie Kinder ab 4 Jahren diese in abwaschbare Farbe tauchen, die auf einer Schaumstoffplatte verteilt wurde. Verwenden Sie die Objekte, um einzigartige Drucke zu erstellen. Amy Yang, Gründerin von Brooklyn Design Lab Verpackungs-Erdnuss-Skulptur: Befeuchten Sie das Ende einer Verpackungs-Erdnuss“ (die biologisch abbaubare Sorte aus Maisstärke) leicht und kleben Sie sie an eine andere, um hohe, spiralförmige Türme und schöne Formen zu bauen. Mit dieser Kunst steigern Sie die Kreativität enorm und bieten Ihrem Kind gleichzeitig auch Spaß. Andrew Ackerman, Geschäftsführer des Children’s Museum of Manhattan Die ultimative Kunst-Bedarfsliste Knetmasse Kreide abwaschbare Farbe Pinsel Wattestäbchen Schwämme Stempel und Stempelkissen abwaschbare Marker Buntstifte Buntstifte einfarbiges und farbiges Papier Seidenpapier Schere Kleber Bastelschaum Eisstiele Chenille-Stängel Bommeln Federn Filz Stoff farbiges Band Knöpfe Wattebällchen Pailletten und Glitter Bänder, Garn, Schnüre Perlen Verpackungs-Erdnüsse Trinkhalme Eierkartons Pappröhren Muffinförmchen Pappteller Wäscheklammern Plastik-Besteck Zeitschriften, Zeitungen, Kataloge Tapetenmuster Wachspapier Alufolie Weitere interessante Beiträge: Die besten BleistiftePicassoMonetRenaissanceMuseum of Modern Art

Weiterlesen →

Die besten Bleistifte zum Zeichnen und Skizzieren

Obwohl das Zeichnen und Skizzieren mit dem Bleistift einfach zu sein scheint, gibt es mehrere Faktoren, die bei der Wahl des Materials zu berücksichtigen sind. Einige Bleistifte sind aus Holzkohle, während andere aus Blei hergestellt sind, und selbst unter den besten Bleistiften gibt es große Unterschiede in der Festigkeit und Farbe. Die Auswahl des richtigen Bleistifts für Ihre Bedürfnisse ist der erste Schritt zu einem erfolgreichen Projekt. Standard-Graphitstifte Die gebräuchlichsten Bleistifte sind Standard-Graphitstifte, die es in verschiedenen Härtegraden gibt. Diese sind in der Regel von 2H bis 6B beschriftet. Je höher die Zahl neben H, desto härter ist die Mine des Bleistifts, und je höher die Zahl neben B, desto weicher ist die Mine. Bleistifte mit fester Mine sind ideal für Stippling, eine Technik, bei der sehr kleine Linien, fast wie Striche, gezogen werden. Stippling wird oft in der Porträtmalerei verwendet, um die Iris der Augen zu skizzieren und den Eindruck von Stoppeln und feiner Gesichtsbehaarung zu erzeugen. Graphitstifte (Stick Pencils) Graphitstifte bestehen aus festen Graphitstiften, die in der Regel mit einem Kunststoffüberzug versehen sind, um die Finger sauber zu halten. Diese Stifte können dickere und kräftigere Linien als Standard-Graphitstifte erzeugen und sind ideal zum Blockieren von Schatten und dunklen Tönen auf einer großen Fläche Zeichenpapier. Graphitstifte sind ein Muss für die meisten Arten des Zeichnens. Da sie klare, kräftige Linien erzeugen, sind sie perfekt für Schraffuren, eine Schattierungstechnik, die entweder leicht oder schwer sein kann. Beim Schraffieren werden kleine, aneinander gereihte Linien gesetzt, um eine Füllfarbe zu erzeugen. Bei der Kreuzschraffur wird eine zweite Schicht von gebündelten Linien senkrecht zur ersten aufgetragen. Dies ist eine gute Möglichkeit, dunklere Schattierungen zu Ihren Porträts hinzuzufügen. Kohlestifte Kohlestifte werden aus gepresster Holzkohle hergestellt, die weich ist und tiefere und sattere Schwarztöne erzeugt. Diese Stifte eignen sich gut für impressionistische Zeichnungen und schnelle Skizzen. Eine großartige Technik für Kohlestifte ist das Schaben – das Bewegen des Stifts in kleinen, kreisförmigen Bewegungen. Indem Sie den Druck beim Zeichnen variieren, können Sie Tiefe und Textur erzeugen. Buntstifte Die Buntstifte, die die meisten Künstler verwenden, sind weicher als normale Buntstifte für den Unterricht. Ihre Farben bestehen aus Wachs oder Öl in Kombination mit einer Vielzahl von Pigmenten und Zusatzstoffen. Es gibt große Unterschiede in der Qualität der Buntstifte, die Künstlern zur Verfügung stehen, so dass Sie mit einigen verschiedenen Optionen experimentieren sollten, bevor Sie eine für Ihr Projekt auswählen. Aquarellstifte Aquarellstifte sind wasserlöslich und können mit Standard-Buntstiften gemischt werden, um Skizzen und Zeichnungen leuchtende Farben hinzuzufügen. Diese Stifte eignen sich auch perfekt für Mixed-Media-Projekte mit Aquarellfarben und Acrylfarben. Die Wahl des richtigen Papiers Bleistifte, in all ihren Variationen, verhalten sich unterschiedlich, je nachdem, welche Art von Zeichenpapier (oder eine andere Oberfläche) Sie verwenden. Alle Zeichenpapiere haben eine so genannte „Verzahnung“ oder Oberflächentextur, die von rau bis glatt reicht. Glattes Papier ist besser für Feder- und Tuschezeichnungen und Mischtechniken geeignet. Raues Papier eignet sich besser für Bleistift- und Kohleskizzen, da es mehr Pigmente aufnehmen kann. Experimentieren Sie mit verschiedenen Graden von „Zähnen“, um das beste Papier für Ihr Projekt zu finden. Wenn Sie sich an mehr trauen, könnten Sie versuchen eines von Bob Ross‘ Happy Little Paintings nachzumalen. Weitere interessante Beiträge: PicassoMonetRenaissanceMuseum of Modern Art

Weiterlesen →

Kunst unter Einfluss von Drogen – 20 Werke von Pollett

Der Grafikdesigner Brian Pollett, alias Pixel-Pusha, hat sich selbst an sein Limit gebracht, indem er zwanzig Tage lang jeden Tag eine neue Art von Droge nahm und coole Zeichnungen anfertigte. „Meine frühen Erkundungen mit Psychedelika und elektronischen Musikpartys haben das Binge-Projekt inspiriert“, sagte Pollet. „An diesem Punkt in meinem Leben möchte ich meine zeichnerischen Ideen über das ausdrücken, was ich von Psychedelika, dem kreativen Prozess und elektronischer Musik gelernt habe.“ Kunst unter Einfluss von Drogen ist definitiv ein spannendes Thema. Es zeigt, wie unterschiedlich das Gehirn arbeitet, wenn es unter dem Einfluss von Drogen steht. Brians Werke sind so einzigartig, dass eine Ausstellung im Museum of Modern Art definitiv denkbar wäre! „Stellen Sie sich vor, die Vergangenheit, die Zukunft und die lineare Zeit sind weg“, erklärte Pollett gegenüber A+. „Sie können sich nur auf Ihre Existenz in der Gegenwart konzentrieren. Die Vorstellung von morgen ist lächerlich. Die Drogeneffekte ermöglichen es mir, Kunst zu schaffen, ohne Sorge vor dem Urteil Außenstehender, ohne meinen Prozess zu sehr zu analysieren und intuitiv die ehrlichste Arbeit zu schaffen.“ Wir von „Yes-we-are-open“ befürworten in keiner Weise illegalen Drogenkonsum. Informieren Sie sich über Ihre örtlichen Gesetze, bevor Sie etwas potenziell Illegales konsumieren. Sollten Sie Hilfe suchen oder jemanden kennen, der Hilfe benötigt, schauen Sie sich unbedingt bei der Caritas oder anderen Hilfsorganisationen um! 1. Tag — Butylone 2. Tag — G.H.B. 3. Tag — Codeine 4. Tag — T.H.C. 5. Tag — Alcohol 6. Tag — Nitrous 7. Tag — Cocaine 8. Tag — Psilocybin 9. Tag — 4-HO-MIPT 10. Tag — Poppers 11. Tag — DMT 12. Tag — Ether 13. Tag — 25I 14. Tag — MXE 15. Tag — MDMA 16. Tag — Amphetamine 17. Tag — Mescaline 18. Tag — Ketamine 19. Tag — LSD 20. Tag — Love Mythen und Fakten über Konsum von Drogen und Abhängigkeit Mythos 1: Die Überwindung der Sucht ist einfach eine Frage der Willenskraft. Man kann mit dem Drogenkonsum aufhören, wenn man es wirklich will. Tatsache: Längerer Drogenkonsum verändert das Gehirn in einer Weise, die zu starkem Verlangen und einem Zwang zum Konsum führt. Diese Gehirnveränderungen machen es extrem schwierig, durch bloße Willenskraft aufzuhören. Mythos 2: Der Gebrauch von Drogen wie opioiden Schmerzmitteln ist sicher, da sie so häufig von Ärzten verschrieben werden. Tatsache: Kurzfristiger medizinischer Gebrauch von Opioid-Schmerzmitteln kann helfen, starke Schmerzen, zum Beispiel nach einem Unfall oder einer Operation, zu behandeln. Eine regelmäßige oder längerfristige Einnahme von Opioiden kann jedoch zu einer Abhängigkeit führen. Der Missbrauch dieser Medikamente oder die Einnahme von Medikamenten anderer Personen kann gefährliche – sogar tödliche – Folgen haben. Mythos 3: Sucht ist eine Krankheit; man kann nichts dagegen tun. Tatsache: Die meisten Experten sind sich einig, dass Sucht eine Krankheit ist, die das Gehirn betrifft, aber das bedeutet nicht, dass jemand hilflos ist. Die mit der Sucht verbundenen Gehirnveränderungen können durch Therapie, Medikamente, Bewegung und andere Behandlungen behandelt und rückgängig gemacht werden. Mythos 4: Süchtige müssen erst am Tiefpunkt angelangt sein, bevor sie gesund werden können. Tatsache: Die Genesung kann an jedem Punkt des Suchtprozesses beginnen – je früher, desto besser. Je länger der Drogenmissbrauch andauert, desto stärker wird die Sucht und desto schwieriger ist sie zu behandeln. Warten Sie mit dem Eingreifen nicht, bis der Süchtige alles verloren hat. Mythos 5: Man kann jemanden nicht zu einer Behandlung zwingen; er muss die Hilfe wollen. Tatsache: Eine Behandlung muss nicht freiwillig sein, um erfolgreich zu sein. Menschen, die von ihrer Familie, ihrem Arbeitgeber oder dem Rechtssystem zu einer Behandlung gedrängt werden, profitieren genauso davon wie diejenigen, die sich von sich aus in Behandlung begeben. Wenn sie nüchtern werden und sich ihre Gedanken klären, beschließen viele ehemals resistente Süchtige, dass sie sich ändern wollen. Mythos 6: Die Behandlung hat schon einmal nicht funktioniert, also gibt es keinen Grund, es noch einmal zu versuchen. Tatsache: Die Genesung von der Drogenabhängigkeit ist ein langer Prozess, der oft mit Rückschlägen verbunden ist. Ein Rückfall bedeutet nicht, dass die Behandlung gescheitert ist oder dass Nüchternheit eine verlorene Sache ist. Vielmehr ist es ein Signal, wieder auf den richtigen Weg zu kommen, entweder durch eine erneute Behandlung oder eine Anpassung des Behandlungsansatzes. Vorsicht beim Konsum von Drogen Bitte experimentieren Sie nicht mit verschiedenen Drogen. Drogen sind immer gefährlich, auch, wenn Sie nur geringe Mengen einnehmen, um Kunst unter dem Einfluss von Drogen zu schaffen. Interessante Fakten: PicassoClaude MonetBob Ross

Weiterlesen →

10 Dinge über Claude Monet

Claude Monets Name ist ein Synonym für die bahnbrechende französische Impressionismus-Bewegung des 19. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Als einer der produktivsten Maler der Welt ist Monets Ruf seit Generationen unerschütterlich geblieben. Doch trotz seiner weit verbreiteten Anerkennung, was weißt du wirklich über das Leben von Monet? In Anbetracht der aktuellen Ausstellung ‚Painting the Modern Garden‚ in der Royal Academy, betrachte die Aspekte von Monets Leben, die dazu beigetragen haben, einen der größten Künstler der Geschichte zu formen. Damit du einen guten Überblick hast, haben wir hier 10 Dinge über Claude Monet, die du unbedingt wissen solltest! 1. Monet begann in der Schule Karikaturen zu zeichnen Wir beginnen die Liste der 10 Dinge über Claude Monet mit seiner Kindheit: Der impressionistische Maler begann seine Karriere im Klassenzimmer. Hier drückte Monet sein Desinteresse an der Schule aus und zog es vor, Skizzen und Karikaturen von seinen Lehrern und Mitschülern zu zeichnen. Während seiner Erkundungen als junger Künstler machte sich Monet in seiner Heimatstadt Le Havre einen Namen als kreativer Künstler und verkaufte seine Bilder für kleine Summen. 2. Sein Freund Eugene Boudin half ihm, ein Landschaftsmaler zu werden In Le Havre lernte Monet Eugene Boudin kennen, einen der ersten Landschaftsmaler, der im Freien malte und ihm den Titel „König der Lüfte“ gab. Boudin bemerkte das Talent des jungen Monet und lud ihn ein, mit ihm in der Normandie en plein air (im Freien) zu malen. Diese Ermutigung erwies sich als ausschlaggebend für Monets Entwicklung als Landschaftsmaler, wo er von Boudins Wunsch, das Licht in seinen Bildern einzufangen, lernte. 3. Monets enge Beziehung zu den Hoschèdès Im Jahr 1878 zog Monet mit seiner Familie in das Haus des Kunstsammlers Ernest Hoschèdè. Hoschèdè war ein wohlhabender Kunstmäzen und hatte selbst eine Familie. Aufgrund der schlechten Gesundheit von Monets Frau Camille, half Ernests Frau Alice ihm oft bei der Pflege seiner Söhne Jean und Michel. Diese Beziehung wuchs nach Camilles Tod im Jahr 1879 und trotz Alices Heiratsstatus, verfolgten sie und Monet eine Beziehung. Diese wurde 1892, nach dem Tod von Ernest im selben Jahr, in ihrer Ehe vollzogen. 4. Der Einfluss des japanischen Künstlers Hokusai auf Monets Werk Von großem Einfluss auf Monets Stilentwicklung war seine Faszination für japanische Kunst und Drucke. Er besaß 231 japanische Holzschnitte, unter denen Hokusai besonders ausgeprägt war. Der bedeutendste Beweis für den Einfluss von „La Japonaise“ in Monets Werk ist sein Gemälde von Camille in einem Kimono gekleidet. Monets Interesse am japanischen Stil fand ein Echo in der gesamten französischen Gesellschaft, die im 19. Jahrhundert eine Mini-Besessenheit mit dem Orient erlebte. Auch Monets berühmtestes Motiv, die Seerosen, wird auf sein Interesse an japanischer Kunst zurückgeführt. 5. Wie er als Vater des Impressionismus bekannt wurde Wir sind schon bei Nr. 5 der 10 Dinge über Claude Monet! Im Jahr 1872 malte Monet das Bild Impression, Sonnenaufgang. Es wurde 1874 in der ersten Impressionisten-Ausstellung in Paris gezeigt. Der Kunstkritiker Louis Leroy gab Monets Werk den Begriff „Impressionismus“ und wollte damit Monet und seine Zeitgenossen für ihre klare Respektlosigkeit gegenüber dem klassischen Stil herabsetzen. Anstatt den Begriff abzulehnen, nahmen die zeitgenössischen Künstler ihn an und er wurde bald zum Slogan für den neuen künstlerischen Kreuzzug. 6. Der Einfluss, den die Fotografie auf die impressionistische Bewegung hatte Heute wird Impression, Sonnenaufgang als ein Wendepunkt in der Kunstgeschichte gefeiert, trotz der Kritiker, die es anfangs verspotteten. Monets Beginn als Vater des Impressionismus wurde mit Beschwerden konfrontiert, dass seinen Bildern die Form fehle, sie unvollendet und hässlich seien. Es wird jedoch argumentiert, dass seine künstlerische Entwicklung durch die Entwicklung der Fotografie im Jahr 1839 entstanden ist. Die Fähigkeit der Kamera, jedes Motiv abzubilden, führte zu einer Enttäuschung über den Realismus und ermutigte junge zeitgenössische Künstler, die Kunst weiterzuentwickeln. 7. Monets Leben, bevor er nach Giverny zog Während des französisch-preußischen Krieges (1870-1871) zog Monet zusammen mit Pissarro und Daubigny nach London. Er kehrte jedoch schnell nach Paris zurück und lebte von 1871 bis 1878 in Argenteuil. Im Jahr 1883 erwarb Monet sein berühmtes Anwesen außerhalb von Paris. Hier wohnte Monet für den Rest seines Lebens, und hier wurde auch seine Liebe zu den Seerosen verwirklicht. 8. Die Geschichte hinter Frau im grünen Kleid Monet hatte sich vorgenommen, für den Pariser Salon 1866 ein monumentales Mittagsmahl im Gras zu malen. Aus Zeitgründen beschloss Monet, das Werk durch ein Gemälde seiner Frau Camille mit dem Titel Frau im grünen Kleid zu ersetzen. Obwohl es etwas unkonventionell war, verschaffte dieses Gemälde Monet Anerkennung im Salon. Doch was noch wichtiger war, es half ihm bei seinen finanziellen Sorgen und wurde für 800 Francs verkauft, eine große Summe, die dem Künstler nicht bekannt war. 9. Das Ergebnis von mehreren Ablehnungen im Pariser Salon In seinen frühen Jahren hatte Monet nur begrenzten Erfolg. In den 1860er Jahren akzeptierte der Pariser Salon eine Handvoll Landschaftsbilder, doch 1867 wurde Frau im Garten vom Salon abgelehnt, was Monet dazu zwang, sich anderweitig um Mäzenatentum zu bemühen. 10. Die Gründung der „Anonymen Gesellschaft der Maler, Bildhauer, Grafiker, usw.“. Die Anonyme Gesellschaft der Maler, Bildhauer, Grafiker etc. wurde 1874 gegründet. Zu den ersten Mitgliedern gehörten u.a. Monet, Degas und Pissarro. Die Männer lösten sich von dem offiziellen jährlichen Pariser Salon, bei dem eine Jury von Künstlern der Academie de Beaux-Arts Medaillen an Künstler vergab, die sie für würdig hielten. Die Ausstellung zeigte die Vielfalt der Stile, die zeitgenössische Künstler vermitteln konnten und betonte die Abkehr vom traditionellen Stil, der den Pariser Salon im späten 19. Jahrhundert dominierte. Abgesehen von Claude Monets Status als Vater des Impressionismus, erlebte er im Laufe seines Lebens eine Vielzahl von Erfolgen und Misserfolgen. Seine verträumten Landschaften stehen in der Liga der bedeutendsten Gemälde der Geschichte und demonstrieren sein Genie als einer der größten Maler der Welt und seinen Weg zum Erfolg. Das waren jetzt 10 Dinge über Claude Monet. Wir hoffe, es hat dir ein wenig weitergeholfen! Weitere Fakten über: PicassoMuseum of Modern ArtDie RenaissanceKunst unter Einfluss von Drogen

Weiterlesen →

10 spannende Fakten über Pablo Picasso

Sind Sie bereit, 10 spannende Fakten über Pablo Picasso zu erfahren? Als einer der bedeutendsten Künstler des 20. Jahrhunderts ist Pablo Picasso das Thema zahlreicher Bücher und Filme gewesen. Der gefeierte Künstler lebte sein Leben in vollen Zügen und blieb bis zu seinem Tod im Jahr 1973 im Alter von 91 Jahren aktiv und kreativ. Picasso, der vor allem als einer der Begründer des Kubismus bekannt ist, war ein produktiver Künstler, der im Laufe seines Lebens viele Perioden und Stile durchlief. Und wie es bei Genies oft der Fall ist, ist seine persönliche Geschichte genauso interessant wie seine Kunstwerke. Picasso war ein Wunderkind, und sein künstlerisches Schaffen begann schon in jungen Jahren. Der 1881 geborene spanische Künstler wurde stark von Diego Velazquez und Francisco Goya (Meistermaler aus seinem Heimatland) beeinflusst, zog aber später nach Paris. Er verbrachte den größten Teil seines erwachsenen Lebens in Frankreich und saugte Einflüsse aus aller Welt in sich auf, seien es die postimpressionistischen Werke von Cézanne oder afrikanische Artefakte. Es gibt viele faszinierende Details aus Picassos Leben, die das Verständnis für seine Kunstwerke bereichern. Ein hochkomplexes, wenn nicht gar schwieriges Individuum, viele Ereignisse haben sein Leben und sein Vermächtnis geprägt. Um ein noch tieferes Verständnis von Picasso zu erlangen, lesen Sie weiter und erfahren Sie 10 spannende Fakten, über Pablo Picasso. Um noch mehr zu erfahren, können Sie sich ein Exemplar von Patrick O’Brians hochgelobter Biografie über Picasso besorgen. 1. Pablo Picassos voller Name ist viel länger, als man denkt. Der Name Pablo Picasso ist ein alliteratives Vergnügen, aber der vollständige Name des Künstlers ist ein echter Zungenbrecher. Getauft auf den Namen Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Martyr Patricio Clito Ruíz y Picasso, besteht sein vollständiger Name aus 23 Wörtern. Die Namen basieren auf einer Liste von Heiligen und Verwandten. Interessanterweise stammt sein berühmter Nachname von seiner Mutter, María Picasso y López. Er erklärte die Entscheidung, den Nachnamen seiner Mutter anzunehmen, mit den Worten: „[Picasso] war seltsamer, klangvoller als ‚Ruiz‘. Und das sind wahrscheinlich die Gründe, warum ich ihn angenommen habe. Wissen Sie, was mich an diesem Namen gereizt hat? Nun, es war zweifelsohne das doppelte ’s‘, was in Spanien ziemlich ungewöhnlich ist. Picasso ist italienischer Herkunft, wie Sie wissen. Und der Name, den eine Person trägt oder annimmt, hat seine Bedeutung. Können Sie sich vorstellen, dass ich mich Ruiz nenne? Pablo Ruiz? Diego-José Ruiz? Oder Juan-Népomucène Ruiz?“ 2. Seine ersten Worte als Kind waren ein Vorgeschmack auf seine Zukunft. Während die ersten Worte der meisten Kinder „Mama“ oder „Dada“ sind, war Picasso von Anfang an ein echter Künstler. Picassos Mutter sagte, dass sein erstes Wort „piz“ war, was die Abkürzung für lápiz ist – das spanische Wort für Bleistift. Es ist kein Wunder, dass seine Familie schon früh mit seiner Kunsterziehung begann! 3. Als Wunderkind vollendete Picasso sein erstes Gemälde im Alter von 9 Jahren. Picassos Vater José Ruiz y Blasco war ein Maler und Kunstlehrer, der schnell erkannte, dass sein Sohn etwas Besonderes war. Er begann Picassos Kunsterziehung im Alter von 7 Jahren. Ruiz war ein strenger Akademiker, der glaubte, dass Künstler durch das Kopieren der großen Meister, sowie durch Gipsabdrücke und lebende Modelle lernen sollten. Picassos frühe Bleistiftzeichnungen und Ölgemälde zeigen, wie geschickt er schon als Kind war. Sein frühestes Gemälde, Der Picador, wurde fertiggestellt, als er gerade 9 Jahre alt war, und mit 13 Jahren wurde er an der Schule der Schönen Künste in Barcelona aufgenommen. Unglaublich, dass er die strenge Aufnahmeprüfung, die normalerweise einen Monat dauerte, in nur einer Woche absolvieren konnte. 4.Picassos Vater gab die Kunst auf, nachdem er die Talente seines Sohnes gesehen hatte. Obwohl Picassos Vater ein ausgebildeter Künstler war und an der Schule der Schönen Künste in Barcelona unterrichtete, heißt es, dass er große Ehrfurcht vor dem Talent seines Sohnes hatte. Ruiz spezialisierte sich auf Zeichnungen von Tauben und Tauben und als Picasso gerade 13 Jahre alt war, beobachtete sein Vater ihn, wie er Ruiz‘ unfertige Skizze einer Taube übermalte. Er war von der Arbeit so beeindruckt, dass er erklärte, er werde die Malerei aufgeben, da sein Sohn ihn übertroffen habe. Es gibt spätere Gemälde von Ruiz, also hat er offensichtlich nicht ganz aufgegeben. Vater und Sohn hatten weiterhin eine unbeständige Beziehung und stritten sich häufig. Nun sind wir bereits bei der Hälfte der 10 spannende Fakten über Pablo Picasso! 5. Er war viel mehr als nur ein Maler. Picasso hat nicht nur gemalt, er war auch Bildhauer, Keramiker, Dichter, Dramatiker und Bühnenbildner. Im Bereich des Bühnenbildes begann Picasso während des Ersten Weltkriegs eine Zusammenarbeit mit der Pariser Kompanie Ballets Russes. Er entwarf kubistische Bühnenbilder und Kostüme für mehrere Produktionen, die im Laufe der Zeit immer bekannter geworden sind. Bei dieser Zusammenarbeit lernte Picasso auch seine erste Frau Olga Khokhlova kennen, die Tänzerin des Ensembles war. Zur Poesie kam Picasso erst später im Leben. 1935, nach dem Ende seiner ersten Ehe, begann er ernsthaft zu schreiben. Zwischen 1935 und 1959 schrieb er über 300 Gedichte. In den 1940er Jahren schrieb er zwei abendfüllende Theaterstücke, Desire Caught by the Tail und The Four Little Girls. Beide waren surrealistische Werke, die im Stil des Bewusstseinsstroms geschrieben waren. 6. Er wurde einmal verdächtigt, die Mona Lisa gestohlen zu haben. 1911, als Picasso 29 Jahre alt war, wurde die Mona Lisa von Leonardo da Vinci aus dem Louvre gestohlen. Der französische Dichter Guillaume Apollinaire wurde als Verdächtiger herangezogen und beschuldigte seinen Freund Picasso, was dazu führte, dass der Künstler zum Verhör vorgeladen wurde. Beide Männer wurden schließlich entlastet. Zwei Jahre später wurde entdeckt, dass ein italienischer Louvre-Angestellter, Vincenzo Peruggia, das Gemälde gestohlen hatte, weil er glaubte, dass es in ein italienisches Museum gehörte. 7. Picasso half, die moderne Collage zu erfinden. Zusammen mit Georges Braque, dem Mitbegründer des Kubismus, erfand Picasso die Collage, wie wir sie heute kennen. Tatsächlich kommt der Begriff von dem französischen Wort coller, was „kleben“ bedeutet. Picasso machte sich diese Technik zu eigen und klebte Fragmente von Tapeten und Zeitungsausschnitten neben seine Gemälde. Er…

Weiterlesen →

10 überraschende Fakten über das Museum of Modern Art

Das Museum of Modern Art (MoMA) wurde 1929, nur neun Tage nach dem Wall-Street-Crash am Schwarzen Freitag, gegründet und ist heute weltberühmt für seine umfassende Sammlung moderner Kunst. Was mit acht Druckgrafiken und einer Zeichnung begann, umfasst heute rund 200.000 Werke aus der ganzen Welt und aus verschiedenen Genres, darunter Millionen von Filmen und Filmstills. Hier tauchen wir in zehn Fakten ein, die Sie vielleicht nicht über das Museum of Modern Art wissen. 1. Das MoMA wurde von den bahnbrechenden Sammlern moderner Kunst Abby Aldrich Rockefeller (Ehefrau von John D. Rockefeller, Jr., oben), Lillie P. Bliss und Mary Quinn Sullivan gegründet. Zunächst erhielt Abby keine Unterstützung von ihrem Ehemann, der moderne Kunst verachtete, aber er stiftete schließlich das Land für den heutigen Standort des MoMA. 2. Das MoMA begann in einem gemieteten Raum mit sechs Galerien in Manhattans Heckscher Building. Die Popularität machte in den nächsten zehn Jahren drei aufeinanderfolgende Umzüge in größere Räumlichkeiten notwendig. Das schlichte, modernistische Gebäude des MoMA wurde 1939 mit einer Radioansprache von Präsident Franklin D. Roosevelt vor 6.000 Menschen eröffnet. Das Gebäude wurde im Laufe der Jahre renoviert und erweitert, zuletzt im Jahr 2019, um ein größeres Publikum zu ermöglichen und mehr von der umfangreichen Sammlung ausstellen zu können. 3. Im Jahr 1959 tötete ein Feuer während der Installation einer Klimaanlage einen Bauarbeiter und zerstörte das ikonische 18 Fuß lange Gemälde „Monet Water Lilies“ des MoMA. Das jetzt ausgestellte Triptychon ist ein Ersatz. 4. Das MoMA hat sich auf sechs Sammlungsabteilungen erweitert: Malerei und Skulptur, Architektur und Design (1931), Film und Medien (1935), Fotografie (1940), Drucke und illustrierte Bücher (1969) und Zeichnungen (1971). Das MoMA war das erste Museum, das Abteilungen für Architektur und Design, Film und Fotografie einrichtete. 5. Der erste Sculpture Garden wurde in nur einer Nacht geplant. Der heutige Raum, der Abby Aldrich Rockefeller gewidmet ist, wurde erstmals 1953 entworfen und ist heute das Herzstück des Museums. Eine der vielen faszinierenden Skulpturen ist ein echtes Eingangstor der Pariser U-Bahn. Dieser gusseiserne Bogen im Jugendstil von 1900, entworfen von Hector Guimard, setzt einen reizvollen Akzent auf den Parkwegen. 6. Im Jahr 2008 entwarf der Künstler und Musiker David Byrne im Rahmen einer Partnerschaft zwischen dem Verkehrsministerium und der Kunstgalerie PaceWildenstein neun skulpturale Fahrradständer, die 11 Monate lang in ganz New York aufgestellt wurden, darunter auch einer mit dem Titel MoMA am Eingang des Museums. 7. Das MoMA verfügt über Forschungseinrichtungen von Weltklasse. Mit über 300.000 Büchern, Künstlerbüchern, Zeitschriften, individuellen Akten zu über 90.000 Künstlern, einem Konservierungslabor und über 2.500 veröffentlichten Werken in 35 Sprachen verfügt es über mehr Forschungsmaterial als jedes andere Kunstmuseum. 8. Das MoMA bietet eine Reihe von Online-Kursen über Coursera an, in denen Sie etwas über ihre Sammlung und Kunst im Allgemeinen lernen können. 9. Zusätzlich zu den sechs Etagen des MoMA, die Ausstellungen mit Werken vom 19. bis zum 21. Jahrhundert beinhalten, gibt es auch Ateliers für Performance-Kunst und private Räume für Filmvorführungen. Filme können auch im Museum ausgeliehen oder gekauft werden. 10. Als Teilnehmer am Google Art Projekt sind Online-Touren möglich. Es gibt auch umfangreiche Fotos der MoMA-Sammlungen mit schriftlichen und Audio-Kommentaren, die mit der Website des MoMA verlinkt sind. Bob RossKunst unter EinflussWarum ist Kreativität wichtig?10 Fakten über die Renaissance5 besten Kunstmuseen

Weiterlesen →

Top 10 interessante Fakten über die Renaissance

Hier sind zehn Fakten über die Renaissance, die uns helfen diese besser zu verstehen, und warum sie sehr wichtig ist! Stellen Sie sich eine Welt ohne Bücher und Zeitungen vor, ohne Musik, schöne Gemälde, Kunst, Schnitzereien und Skulpturen, ohne Technik. Kurz gesagt, stellen Sie sich eine Welt ohne Zivilisation vor. Langweilig, oder? Vieles von dem, was wir heute in der Welt an Kunst, Architektur und Musik erleben, ist das Ergebnis einer europäischen Revolution; einer Wiedergeburt und einer Zeit, in der sich die Welt veränderte, deren Ursprung Italien war.  Die Renaissance. 1. Das definierte das Zeitalter der Renaissance Die Renaissance markierte das Ende des Mittelalters. Die Ära markierte eine andere Art zu denken und eine andere Art, Dinge zu tun. Das Zeitalter der Renaissance war die Zeit zwischen dem Mittelalter (500AD-1500AD) und der Neuzeit. Dies war eine Zeit, in der der Renaissance-Mensch, auch bekannt als Menschen, die in vielen Bereichen bewandert waren, wie zum Beispiel Leonardo da Vinci, geprägt wurde.  Das Christentum erlebte auch eine Revolution, als Martin Luther King gegen die katholische Kirche auftrat, die zu dieser Zeit extrem mächtig war, und so den Protestantismus hervorbrachte. Dies war auch als das Zeitalter der Entdeckungen bekannt, als Amerika von Kolumbus entdeckt wurde, ebenso wie die Entdeckung von Seewegen durch Leute wie Vasco da Gama. Die Italiener studierten die antike römische Lebensweise, Literatur und andere Dinge und erkannten, dass die Menschen in dieser Epoche ein anderes Leben führten. Deshalb gab es ab 1300 in den meisten Lebensbereichen Fortschritte in Dingen wie Musik, Poesie, Kunst und Bildung, die das Leben für die Menschen besser und angenehmer machen sollten. 2. Hochrenaissance Die Mona Lisa von Leonardo da Vinci, die David-Statue von Michelangelo und die Schule von Athen von Raffael wurden während der Periode geschaffen, die als Hochrenaissance bekannt ist, einer Periode von außergewöhnlicher künstlerischer Produktion. Während Michelangelo und Leonardo da Vinci bekannter sind und als die wichtigsten Maler der Renaissance gelten, war Giotto di Bondone, ein Maler aus Florenz, der erste, der etwas Neues in der Malerei ausprobierte, indem er den byzantinischen Stil, der im Mittelalter verwendet wurde, verließ und sich dafür entschied, Menschen und Dinge so zu malen, wie sie waren, anstatt der üblichen abstrakten Malerei. Eine weitere Tatsache, die mich fasziniert, ist die Tatsache, dass Michelangelo und Leonardo da Vinci menschliche Körper sezierten, um Menschen akkurat zeichnen und modellieren zu können! Nun, es war illegal für Menschen, die keine Ärzte waren, Körper zu sezieren, aber sie fanden irgendwie einen Weg, es zu tun, und sie waren die einzigen beiden, die Menschen so formen und zeichnen konnten, wie sie waren! War es Talent oder richtige Forschung? Die beiden waren Rivalen, Michelangelo war bekannt dafür, sich über Leonardo da Vinci lustig gemacht zu haben, weil er die Skulptur eines Pferdes nicht fertiggestellt hatte! Man stelle sich das vor! 3. King James Bibel Die King James Bibel wurde während der Zeit der Renaissance zusammen mit anderen Texten gedruckt, die zu dieser Zeit gedruckt wurden. Da die Kirche sehr beliebt und die reichste Einheit war, wurde diese Bibel die beliebteste. Das Team von Gelehrten und Übersetzern, das die Bibel herausgab, arbeitete sieben Jahre lang daran und wurde 1611 fertiggestellt.  4. Der Ursprung – Wiedergeburt Wir müssen den Italienern dafür danken, dass sie die Renaissance-Periode in der Welt eingeführt haben. Die Renaissance-Periode begann in Italien und verbreitete sich in anderen Teilen von Europa. Das Wort Renaissance ist jedoch ein französisches Wort, das Wiedergeburt bedeutet, was bedeutet, dass die Menschen zu dieser Zeit begannen, viele Dinge mit neuem Interesse zu betrachten, und dass sich zu dieser Zeit viele Dinge veränderten. Die Periode wird als zwischen dem Mittelalter und der Neuzeit liegend bezeichnet, wobei einige Leute sagen, dass sie zwischen dem 14. und 17. Jahrhundert lag. 5. Eine Zeit der Aufklärung Die Zeit der Renaissance ist einer der Wendepunkte und eine der wichtigsten Perioden der Weltgeschichte. Denken Sie an Kunst, denken Sie an Architektur, denken Sie an Poesie, Musik, Mode und Technik! Der Grund, warum die Renaissance in Italien begann, war, dass das Land extrem wohlhabend war und die Reichen daher bereit waren, ihr Geld für Dinge wie Kunst und Musik auszugeben. 6. Die Revolution des Buchdrucks Im Jahr 1450 führte Johannes Gutenberg den Buchdruck in Deutschland ein und dehnte sein Können auf ganz Europa aus; er veränderte die Geschichte und Zukunft der Texterhaltung und -vervielfältigung für immer. Auch die große Migration byzantinischer Gelehrter, die aus Konstantinopel nach Italien flohen und ihre Texte römischen und griechischen Ursprungs in die Region brachten, bereicherte die Welt der Literatur in dieser Zeit. Mit Gutenbergs Innovation ermöglichte die Verbreitung von Informationen und Ideen die Ausbreitung der Renaissance. 7. Sie führte zu einem besseren Verständnis des Humanismus Die Zeit der Renaissance ist gekennzeichnet durch den beliebten „Vater des Humanismus“, Francesco Patrarcha, ein Dichter und Gelehrter, der Ideen und Gedichte studierte und an andere Dichter in ganz Europa verbreitete. Seine Studien der Poesie und Philosophie des antiken Roms wurden zu einer Inspiration für viele in seinem Bereich. Humanismus bedeutete, dass die Menschen die Bedeutung und den Wert des Menschen in der Welt erkannten. Humanismus bedeutete, dass der Unterricht in Griechisch und Latein wichtig war, damit man ein moralisches und effektives Leben führen konnte! Aspekte wie die Buchhaltung wurden in der Zeit der Renaissance intensiviert, Werke über Buchhaltung und Rechnungswesen wurden in dieser Zeit veröffentlicht, einige vom Vater der Buchhaltung Luca Pacioli. 8. Kulturelle Bewegung Die Familie Medici war eine wohlhabende Bankiersfamilie, die ihre Ressourcen nutzte, um Künstler zu sponsern, um ihre humanistische Bewegung zu fördern. Die Familie ließ sich in den 1400er Jahren in Florenz nieder. Diese Periode markierte die Fortschritte in der wissenschaftlichen Revolution und der künstlerischen Transformation. Eine lustige Tatsache ist, dass Florenz und Rom während dieser Zeit Rivalen waren, obwohl sie das Zentrum des Ganzen waren. Rom wurde schließlich vom Papst erhoben und besiegte damit Florenz. Die Medici-Familie ist auf den meisten Gemälden aus dieser Zeit zu sehen, sie sind die Leute im Hintergrund, die rot tragen und Geld halten! 9. Die Wissenschaften Während dieser Zeit wuchsen die Wissenschaften sprunghaft an, dies…

Weiterlesen →