10 weltberühmte Gemälde in Paris

Paris war schon immer ein Paradies für Kunstliebhaber, mit den Schätzen der Impressionisten im Musée d’Orsay und den historischen Juwelen im größten Kunstmuseum der Welt, dem Louvre. Entdecken Sie 1o weltberühmte Gemälde, die Sie in nur in Paris sehen können. Mona Lisa von Leonardo da Vinci Die Mona Lisa wurde zwischen 1503 und 1517 gemalt, zunächst als Porträt von Lisa Gherardini, der Frau von Francesco del Giocondo. Das Meisterwerk ist zu Weltruhm aufgestiegen, nicht weil seine Pinselführung die künstlerischste oder die schönste ist, sondern weil die Wendung des Lächelns von einem Geheimnis umwoben ist – ganz zu schweigen von dem rätselhaften Fehlen von Augenbrauen. Das Gemälde lockt jedes Jahr Millionen von Besuchern nach Paris und Sie können es selbst im Louvre bestaunen, wo es seit 1797 die Dauerausstellung als beliebteste Attraktion dominiert. Die Freiheit, die das Volk führt von Eugène Delacroix Wenn es eine Kunstausstellung gibt, die Sie sich dieses Jahr in Paris ansehen sollten, dann ist es Delacroix im Louvre. Das weltberühmte Gemälde in Paris zeigt Pariser, die von der mächtigen Freiheitsgöttin, die siegreich die französische Flagge hochhält, über die Barrikaden und Leichen der Gefallenen geführt werden. Es ist ein schönes Beispiel dafür, wie Delacroix sich von dunklen historischen Ereignissen wie der Revolution inspirieren ließ und eine Faszination für Tragödien und Turbulenzen verriet. Das Bild hat viele inspiriert, von Victor Hugo bis zu Coldplay. Es ist eines der berühmtesten Werke der französischen Kunstgeschichte. Stillleben mit Hummer von Eugène Delacroix Während die Freiheit, die das Volk anführt, das weltberühmteste Gemälde dieser Künstlerlegende sein mag, hat er noch andere, einfallsreichere Meisterwerke zu bieten. Dieses hier heißt Stillleben mit Hummer (1827) und ist ebenfalls im Louvre zu sehen. Es wird oft als hybrides Werk bezeichnet, und in der Tat scheint der Inhalt dieses Landschaftsstilllebens zufällig zu sein und ein Gefühl der Verwirrung hervorzurufen. Neben den Hummern lauert zum Beispiel eine Eidechse, für die es keine Erklärung gibt. Auch der Abstand zwischen Hintergrund und Vordergrund ist schwer abzuschätzen, was Delacroix‘ verführerisches Spiel mit Maßstab und Erwartung demonstriert. Die Krönung von Napoleon von Jacques-Louis David Natürlich müssen Sie sich die Mona Lisa und Delacroix ansehen, aber es gibt noch ein weiteres Meisterwerk mit einem historischen Erbe, das in der epischen Sammlung des Louvre versteckt ist, und es wäre ein Verbrechen, es nicht auf die Liste zu setzen. Es wurde 1807 vom offiziellen Maler von Napoleon I., dem ultimativen Helden der französischen Geschichte, gemalt und es ist unmöglich, nicht von seinen epischen Dimensionen beeindruckt zu sein. Die atemberaubende, gigantische Leinwand stellt den Stolz des Herrschers zur Schau, als er in Notre-Dame de Paris gekrönt wird. Selbstporträt von Van Gogh Der Louvre mag das größte Kunstmuseum der Welt sein, aber es ist nicht das einzige Museum, in dem Sie in Paris einzigartige Meisterwerke bestaunen können. Der niederländische postimpressionistische Maler Van Gogh ist eine der einflussreichsten Figuren der westlichen Kunst. Wenn Sie ein Fan seines impressionistischen Ansatzes sind, können Sie einige seiner berühmtesten Werke in der Van Gogh Galerie im Musée d’Orsay entdecken, wie zum Beispiel sein ergreifend melancholisches Selbstporträt von 1889. Die Kirche von Auvers von Van Gogh Nicht nur Sonnenblumen und Selbstporträts machen Van Gogh weltberühmt: Er war auch ein Meister der Architekturdarstellung. Die Kirche von Auvers (1890) ist ein weiteres Meisterwerk des Impressionismus, das in der Van-Gogh-Galerie im Musée d’Orsay zu sehen ist. Dieses düstere Porträt zeigt die Place de l’Église in Auvers-sur-Oise, nordwestlich von Paris, und das Bemerkenswerte an Van Goghs einzigartigem Ansatz ist, dass die lebhaften Pinselstriche alles, selbst ein Gebäude aus Stein, lebendig erscheinen lassen. Impression, Sonnenaufgang von Claude Monet Wenn Sie an Kunst in Paris denken, kommt Ihnen wahrscheinlich der Name Claude Monet in den Sinn. Sein berühmtes Tableau Impression, Sonnenaufgang (1872) zeigt den Hafen von Le Havre, Monets Heimatstadt, beleuchtet von einem flüchtigen roten Sonnenaufgang. Dieses Gemälde wurde erstmals im April 1874 in Paris enthüllt und gilt mit seinen lebhaften Pinselstrichen als Wegbereiter der impressionistischen Bewegung. Es markiert einen Übergang von der traditionellen Malerei, die diesem Werk vorausging, und lässt die Malerei in eine neue Dimension eintreten. Mohnfeld von Claude Monet Es wäre unfair, Claude Monets Impression Sonnenaufgang zu erwähnen, ohne auch das Mohnfeld zu erwähnen, das derzeit im Musée d’Orsay zu sehen ist. Nicht nur, dass beide zusammen auf der allerersten Impressionisten-Ausstellung im April 1874 gezeigt wurden, auch dieses Gemälde hat die Herzen der Menschen gleichermaßen erobert. Das zarte und schöne Gemälde, das im Pariser Vorort Argenteuil spielt, wo Monet von 1871 bis 1878 lebte, wurde 1873 unter großem Jubel enthüllt. Es zeigt, wie man annimmt, die Frau des Künstlers, Camille, und ihren Sohn Jean, obwohl das Gefühl des Geheimnisses die Kunstkritiker immer wieder begeistert. Kleines Mädchen im blauen Sessel von Mary Cassatt Bei der Kunstbewegung des Impressionismus denkt man schnell an Namen wie Vincent van Gogh und Claude Monet, aber es gibt ein verborgenes Talent, das in Paris zu sehen ist und von der Geschichte vergessen wurde. Mary Stevenson Cassatt (1844-1926) war das einzige amerikanische Mitglied der impressionistischen Bewegung. Sie war fasziniert vom sozialen und privaten Leben der Frauen, legte den Schwerpunkt auf die intimen Bindungen zwischen Müttern und Kindern und verlieh der Welt der impressionistischen Kunst durch die Subtilität ihrer Pinselstriche eine zarte Note. Das Mittagessen im Gras von Édouard Manet Kein künstlerisches Meisterwerk hat jemals ohne einen kleinen Skandal legendären Status erlangt. Im Fall von Das Mittagessen im Gras, das im Musée d’Orsay ausgestellt ist, wurde das sehr berühmte Gemälde von Édouard Manet von der Jury des Salons abgelehnt, was bedeutet, dass Manet es im Salon des Réfusés (Ausstellung der Abgelehnten) ausstellte. Der Skandal wurde nicht wegen der Nacktheit provoziert, sondern wegen des herausfordernden Blicks der Dargestellten. Es ist fast so, als würde sie sich über die Autorität des Betrachters hinwegsetzen, wenn er auf ihren nackten Körper starrt, der zu dieser Zeit als bedrohlich empfunden wurde. Was sagen Sie zu den 10 weltberühmte n Gemälde n in Paris? Waren Sie schon einmal in der Stadt der Liebe? Ein Besuch lohnt sich auf jeden Fall!

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Die 15 berühmtesten Musicals – Broadway

Was macht einen Broadway-Hit aus? Ist es der Hype, die Darsteller, die Musik? Höchstwahrscheinlich ist es eine Kombination aus all diesen Dingen, die das Publikum atemlos und hungrig nach mehr macht. Die berühmtesten Musicals sind definitiv mehr als einen Besuch wert. Das Theaterviertel von New York City hat den Charakter der Stadt mitgeprägt und die Karrieren von ehemals unbekannten Schauspielern und Schauspielerinnen katapultiert. Theateraufführungen waren um 1900, als die berühmteste Straße der Welt gebaut wurde, kaum eine neue Form der Unterhaltung. Aber die 42nd Street veränderte die Art und Weise, wie die Menschen erwarteten, unterhalten zu werden. Broadway-Shows werden einfach an einen höheren Standard gehalten. Jede Show am Broadway ist beliebt. Aber welche sind die berühmtesten, erfolgreichsten (und lukrativsten) Musicals aller Zeiten? Lesen Sie weiter, um es herauszufinden. 15. Miss Saigon – Gesamteinnahmen: $285.843.972 Diese bewegende Liebesgeschichte, die auf den Ereignissen in den letzten Tagen des Vietnamkriegs basiert, ist eines der umsatzstärksten Musicals aller Zeiten. In der Produktion verliebt sich ein amerikanischer Soldat namens Chris in Saigon in ein Bargirl namens Kim. Chris versucht, mit dem Besitzer der Bar zu verhandeln, um ihre Freiheit zu erlangen. Die Show wurde 1989 in London uraufgeführt und kam 1991 an den Broadway. Es ist die dreizehnte am längsten laufende Show in der Geschichte. 14. The Producers – Gesamteinnahmen: $288.361.724 Diese Musical-Adaption des Films von 1967 wurde mit rekordverdächtigen 12 Tony Awards ausgezeichnet. Mit Matthew Broderick und Nathan Lane in den Hauptrollen wurde es 2001 am Broadway eröffnet und lief für 2.502 Vorstellungen. Die gesamte Show ist eine Parodie auf die Broadway-Produzenten und zeichnet sich durch sarkastischen und satirischen Humor aus. 13. Mary Poppins – Gesamteinnahmen: $294.558.648 So viele Musicals basieren auf Büchern und Disney-Filmen. Diese liebenswerte Geschichte eines Kindermädchens, das eine Familie grundlegend verändert, erhielt sieben Tony-Nominierungen, darunter für das beste Musical. Es gewann für das Beste Szenische Design. Das Musical wurde 2013 geschlossen, aber es lebt als beliebte Wahl für Highschool-Produktionen weiter. 12. Aladdin – Gesamteinnahmen: $318.790.746 Dieses Hit-Broadway-Musical, das von denselben Produzenten wie Der König der Löwen auf die Bühne gebracht wurde, enthält alle beliebten Songs aus dem Disney-Film. USA Today nannte es „Pure GENIE-Us“, und die Zuschauer scheinen dem zuzustimmen. Die derzeit laufende Show ist die zwölft-erfolgreichste in der Geschichte des Broadways. 11. Hamilton – Gesamteinnahmen: $340.332.025 Gibt es irgendjemanden, der noch nicht von Hamilton gehört hat? Diese einzigartige Geschichte unserer Gründerväter ist ein unwahrscheinlicher Hit für den Broadway, da sie eine Kombination aus Rap, R&B, Hip-Hop, Soul und Show-Melodien enthält, zusammen mit nicht-weißen Schauspielern, die die Hauptfiguren darstellen. Tickets sind seit Ewigkeiten ausverkauft, was beweist, dass ein wenig Einfallsreichtum genau das war, was der Broadway brauchte. Es wäre also ein Verbrechen, Hamilton nicht bei den berühmtesten Musicals am Broadway aufzuführen. 10. Cats – Gesamteinnahmen: 342.207.841 $ Cats ist die am viertlängsten laufende Broadway-Show aller Zeiten mit einer Gesamtlebensdauer von 18 Jahren. Die Geschichte wurde von Andrew Lloyd Weber geschrieben und erzählt die Geschichte eines Stammes von Katzen namens Jellicles. Der berühmteste Song, der aus der Produktion stammt, ist „Memory“. Wobei wir Ihnen raten, den Film von 2019 nicht zu schauen. 9. Les Misérables – Gesamteinnahmen: $406.258.901 Informell bekannt als Les Mis oder Les Miz, spielt diese französische Geschichte im Frankreich des 19. Jahrhunderts und folgt einem Bauern (Jean Valjean), der Sühne sucht, nachdem er verhaftet wurde, weil er einen Laib Brot für das hungernde Kind seiner Schwester gestohlen hat. Diese Revolutionssaga ist herzzerreißend, aber dennoch populär: Les Mis ist die neuntprofitabelste Broadway-Show aller Zeiten. 8. Die Schöne und das Biest – Gesamteinnahmen: $429.158.458 Alle acht Songs aus dem Originalfilm und einer, der aus der Filmversion herausgeschnitten wurde, schafften es in die Broadway-Nacherzählung von Die Schöne und das Biest. Kritiker nannten es eines der besten Musicals, die je auf die Bühne kamen, und die Fans kamen 13 Jahre lang, von 1994 bis 2007, immer wieder zurück. 7. The Book of Mormon – Gesamteinnahmen: $546.598.332 Diese musikalische Broadway-Komödie erzählt die Geschichte von zwei mormonischen Missionaren, die die Botschaft ihrer Religion nach Uganda bringen wollen. Das Drehbuch, die Texte und die Musik wurden von Trey Parker und Matt Stone (bekannt von South Park) geschrieben und bieten die gleiche Art von satirischem Humor, den man von dem Duo erwarten kann. Die Show wurde 2011 eröffnet und läuft immer noch und tourte vor Kurzem auch durch Europa. 6. Jersey Boys – Gesamteinnahmen: $588.416.084 Jersey Boys ist eine Aufführung im Dokumentarstil, die die Geschichte der Rock’n’Roll-Gruppe The Four Seasons aus den 1960er Jahren erzählt. Beliebte Songs in der Aufführung sind „Big Girls Don’t Cry“, „Sherry“, „December 1963 (Oh, What A Night)“, „My Eyes Adored You“, „Stay“, „Can’t Take My Eyes Off You“, „Working My Way Back to You“ und „Rag Doll“. Die Show wurde mit vier Tony Awards ausgezeichnet, darunter als bestes Musical. 5. Das 1996er-Revival von Chicago – Gesamteinnahmen: $611.686.727 Das ursprüngliche Broadway-Musical Chicago wurde 1975 eröffnet und lief für 936 Vorstellungen, bevor es 1977 geschlossen wurde. Es wurde 1996 wieder aufgenommen und wurde zur zweitlängsten Broadway-Show aller Zeiten. Die Geschichte basiert auf einem Frauenpaar, das des Mordes beschuldigt wurde, und dem darauf folgenden Medienspektakel. 4. Mamma Mia! – Gesamteinnahmen: $624.391.693 Dieses Musical basiert auf den Hits der Musikgruppe ABBA, einschließlich ihres Hits „Mamma Mia!“ von 1975. Die Broadway-Show hat während ihrer 14-jährigen Laufzeit jede Menge Geld eingenommen, was sie zur neuntlängsten laufenden Aufführung und zum vierthöchsten Einnahmenbringer macht. 3. Das Phantom der Oper – Gesamteinnahmen: $1.150.057.053 Dieses Andrew Lloyd Weber-Musical erzählt die Geschichte einer schönen Sopranistin, die von einem entstellten Musikgenie besessen wird, das in einem Labyrinth unter dem Pariser Opernhaus lebt. Es wurde 1986 am Broadway eröffnet und feierte 2012 seine 10.000ste Aufführung – ein Kunststück, das keine andere Show je erreicht hat. 2. Wicked – Gesamteinnahmen: $1.190.774.930 Diese alternative Erzählung von Der Zauberer von Oz konzentriert sich auf die böse Hexe des Westens (Elphaba) und Galinda, die gute Hexe (die später ihren Namen in Glinda ändert). Es ist eine der drei einzigen Broadway-Shows, die mehr als 1 Milliarde Dollar einspielten und bleibt die zweiterfolgreichste aller Zeiten. Es läuft auch jetzt noch….

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Bob Ross: Happy Little Paintings

Bob Ross malte drei Versionen von jedem Kunstwerk, das in „Joy of Painting“ gezeigt wurde: eine vor der Folge als visuelle Referenz, eine während der Aufzeichnung selbst und eine danach für Anleitungshefte. Bob Ross Happy Little Paintings sind weltbekannt. Es gab über 400 Episoden der Sendung, von denen nur wenige kein neues Ross-Gemälde enthielten. (Gelegentlich hatte er einen Gast zu Gast, der ein Bild malte). Konservativ ausgedrückt bedeutet das, dass es mindestens 1.100 Original-Ross-Gemälde gibt, die auf der Welt herumschwirren. Aber wo sind sie? Vor kurzem machte sich eine Gruppe von Reportern der New York Times auf den Weg, um die Werke ausfindig zu machen. Sie landeten in einem riesigen Lagerhaus in Herndon, Virginia, dem Hauptsitz der Bob Ross, Inc, einer bescheidenen Einrichtung, die die Gemälde des Künstlers besitzt und aufbewahrt, Erinnerungsstücke verkauft und unzählige Anfragen von Leuten bearbeitet, die Ross‘ Gesicht auf Minzbonbons, Socken oder sogar ein Waffeleisen drucken lassen wollen. Die Gemälde stehen nicht zum Verkauf. In einem kurzen Videobericht, der von der Times produziert wurde, erklärt Joan Kowalski, die Präsidentin von Bob Ross, Inc. dass die Firma zwar tatsächlich die vielen Werke von Ross lagert – etwa 1.165 Stück -, dass ihr aber die Mittel fehlen, um dies ordnungsgemäß zu tun. Das Video zeigt die Gemälde, die in gewöhnlichen Pappkartons gestapelt sind, die in einem langweiligen Büroraum ohne viel Ablagesystem aufgetürmt sind. „Sie sind nicht ‚klimatisiert’“, erklärt Kowalski mit Anführungszeichen und fügt hinzu, dass es sich nicht um einen „White Glove Service“ handelt. Glücklicherweise werden einige von ihnen bald eine besondere Aufmerksamkeit erhalten. Nachdem das Smithsonian National Museum of American History in Washington zahlreiche Briefe von begeisterten Ross-Fans erhalten hatte, erwarb es kürzlich eine Handvoll von Ross‘ Gemälden für seine ständige Sammlung. Die Institution fügte auch eine Trittleiter hinzu, die der Künstler bei „Joy of Painting“ benutzte, sowie zwei handgeschriebene Notizbücher, die er für die zweite und dritte Staffel der Show führte. „Der schwierigste Teil war die Auswahl der Gemälde“, sagte Eric Jentsch, ein Sport- und Unterhaltungskurator des Museums. Er und sein Kuratorenkollege Ryan Lintelman pilgerten zu Bob Ross Inc., um Werke auszuwählen, die ihrer Meinung nach seinen Stil und seine Leistungen veranschaulichen, darunter eine polarisierte Berglandschaft von 1988 (mit dem Titel On a Clear Day) und ein stimmungsvolles Wasserfallbild von 1994 (Blue Ridge Falls). Bislang hat das Museum keine Pläne, die Gemälde auszustellen. Welches ist ihr Lieblingsbild aus Bob Ross Happy Little Paintings? Wenn Sie demnächst Ihr Zimmer renovieren wollen, vielleicht möchten Sie eines von Bob Ross‘ Motiven auf die Wand auftragen? Wenn Sie Interesse an ungewöhnlichen Kunstwerken haben, schauen Sie bei Brian Pollett vorbei!

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10 Tipps, bevor Sie Ihr Zimmer streichen

Sie leben mit langweiligen weißen Wänden, hassen aber den Gedanken ans Streichen? Streichen ist oft eine Aufgabe, die Hausbesitzer fürchten. Es ist jedoch eine der kostengünstigsten Möglichkeiten, das Aussehen Ihres Hauses ohne allzu großen Aufwand zu verbessern. Wir haben hier für Sie 10 Tipps, bevor Sie Ihr Zimmer streichen. Farbanstriche können die Stimmung und das Innendesign Ihres Hauses drastisch verändern. Farbe kann mit kräftigen Farbspritzern ein Statement setzen, oder sie kann einen sanften Hintergrund für ein eher gedämpftes Interieur bilden. In jedem Fall ist das Streichen eines der einfachsten und kostengünstigsten Werkzeuge in der Welt der Inneneinrichtung. Es gibt jedoch ein paar Dinge, die Sie wissen sollten, bevor Sie streichen – Dinge, die Ihnen die Arbeit sehr erleichtern werden. Man weiß nie, vielleicht macht Ihnen das Streichen sogar Spaß, nachdem Sie dies gelesen haben. Hier erfahren Sie 10 Tipps, die Sie wissen sollten bevor Sie Ihr Zimmer streichen: Das Vorbereiten eines Raums macht einen UnterschiedEs ist eine bekannte Tatsache, dass das Streichen viel einfacher ist, wenn nichts im Weg ist. Das heißt, räumen Sie den Raum aus, oder zumindest so viel wie möglich. Wenn Sie Ihr Wohnzimmer streichen, stellen Sie große Möbelstücke in die Mitte und decken Sie sie mit alten Laken oder Abdeckplanen ab.Obwohl es wie ein unnötiger Schritt erscheint, die Wände abzuwischen, ist es ein sehr wichtiger Schritt. Ob Sie es sehen können oder nicht, an den Wänden haben sich Schmutz, Staub und Öle von Ihren Händen angesammelt. Wenn Sie diese Verschmutzungen vor dem Streichen entfernen, kann die Farbe besser an den Wänden haften.Außerdem sollten Sie Nagellöcher oder Risse mit Spachtelmasse ausfüllen und angrenzende Wände, Fensterverkleidungen und Lichtschalter- oder Steckdosenabdeckungen abkleben. Verwenden Sie Abdecktücher, Zeitungen oder eine Papierrolle, um den Boden abzudecken.Es ist sehr wichtig, einen Raum vorzubereiten, bevor Sie streichen. Dazu gehört, dass Sie alle Möbel abfilmen/abdecken und Nagellöcher ausfüllen. Testen Sie die StreichfarbeEs ist sehr schwierig zu bestimmen, wie eine bestimmte Farbe an Ihren Wänden und bei Ihrer Beleuchtung aussehen wird. Wenn Sie eine Farbe im Kopf haben, ist es eine gute Idee, ein Muster zu kaufen. Lassen Sie die Farbe trocknen und beobachten Sie die Farbe bei Tag und bei Nacht. Wenn Sie sich unsicher sind, kaufen Sie ein paar Muster und machen Sie dasselbe. Sie werden vielleicht überrascht sein, welche Farben Ihnen tatsächlich gefallen, und noch mehr überrascht sein, dass das, was Sie auf der Farbprobe für Ihre Lieblingsfarbe hielten, in Ihrer Wohnung schrecklich aussieht.Testen Sie unbedingt die Farbmuster, bevor Sie sich auf eine Farbe festlegen. Ein Zimmer streichen – Lassen Sie Farbe in Ihr LebenFarbe kann für manche Menschen überwältigend sein. Lassen Sie sich jedoch nicht von der Angst vor Farbe dazu bringen, sich für Weiß, Off-White oder Beige zu entscheiden.Probieren Sie ein paar verschiedene Farben aus, um ein bestimmtes Gefühl im Raum zu erzeugen.Zum Beispiel fügen dunkle Farben dem Raum Textur und Tiefe hinzu. Das gilt besonders, wenn der Raum sehr groß ist und hohe Decken hat. Auf der anderen Seite, wenn Sie einen kleinen Raum haben, wie z.B. ein Gästebad ohne natürliches Licht, können hellere, hellere Farben den Raum wirklich öffnen und ihn viel größer wirken lassen.Im Wesentlichen, haben Sie keine Angst vor Farben – experimentieren Sie, um zu sehen, was funktioniert – Sie werden überrascht sein!Farbe kann Spaß machen, also scheuen Sie sich nicht, Farbe in Ihr Zuhause zu bringen. Selbst wenn Sie nur eine Akzentwand in einem kräftigen Farbton streichen. Achten Sie auf das Finish, das Sie wählenÜberraschenderweise kommt es nicht nur auf die Farbe an, sondern auch auf das Finish, also den Glanz. Hochglanzlacke sind sehr haltbar und lassen sich leichter reinigen, haben aber den Nachteil, dass sie oft Unebenheiten in Ihren Wänden hervorheben.Auf der anderen Seite versteckt eine glatte Farbe diese Unebenheiten. In den meisten Fällen ist ein eierschalenartiger Anstrich die beste Wahl.Sie bietet einen gewissen Glanz, ist dennoch leicht zu reinigen, hebt Unebenheiten nicht hervor und ist nicht so anfällig für Beschädigungen wie flache Farbe.Achten Sie darauf, den richtigen Glanzgrad der Farbe zu wählen. Bäder und Flure benötigen eher einen abwaschbaren, glänzenderen Anstrich. Farbe kann gewechselt werdenNachdem Sie ein Quadrat an die Wand gemalt und es in unterschiedlichem Licht betrachtet haben, entscheiden Sie sich für eine Farbe. Vielleicht stellen Sie jedoch fest, dass das, was in einem kleinen Ausschnitt großartig aussah, zu überwältigend ist, sobald die Wände fertig sind.Glücklicherweise ist Farbe eine kostengünstige Möglichkeit, einen Raum zu überarbeiten, und sie kann leicht geändert werden. Wenn Sie feststellen, dass Ihnen eine Farbe nicht gefällt, können Sie sie einfach übermalen. Einer der wirklich praktischen Tipps beim Zimmer streichen.Wenn Ihnen eine Farbe für alle vier Wände zu überwältigend erscheint, können Sie auch eine Wand in dieser Farbe als Akzent streichen lassen. Vielleicht stellen Sie fest, dass Sie nur einen kleinen Farbtupfer brauchen.Vielleicht ist die Farbe nicht so geworden, wie Sie gehofft haben. Keine Sorge, das lässt sich ändern. Feststellen, wie viel Farbe Sie benötigenEs gibt nichts Frustrierenderes bei einem Malerprojekt, als wenn die Farbe nach der Hälfte des Projekts ausgeht. Sie wollen aber auch nicht zu viel Farbe haben. Es gibt ein paar Dinge, die Ihnen helfen, die richtige Menge an Farbe zu bestimmen. Erstens müssen Sie die Quadratmeterzahl Ihres Raumes kennen.Zweitens: Überlegen Sie, wie viele Anstriche Sie machen wollen. Wenn Sie die Wände zuerst grundieren, könnte ein Anstrich ausreichen, während zwei Anstriche oft erforderlich sind, wenn die Wände nicht grundiert sind.Bevor Sie in den Laden gehen, um die Farbe zu kaufen, sollten Sie die Quadratmeterzahl des Raums ausmessen – Sie wollen nicht zu wenig oder zu viel kaufen. Grundieren spart FarbeApropos Grundierung: Das ist ein wichtiger Schritt bei der Vorbereitung. Die Grundierung versiegelt die Wände und bietet eine Basis, auf der die Farbe haften kann.Nachdem Sie alle Löcher und Risse verspachtelt haben, wird die Grundierung noch wichtiger. Die Grundierung verhindert das Abblättern oder einen glänzenden Fleck an der Wand, der entsteht, wenn die Farbe direkt auf den Spachtel aufgetragen wird.Die Grundierung hilft Ihnen jedoch nicht, den Schritt des Reinigens der Wände zu überspringen. Die Reinigung der Wände ist immer noch ein sehr wichtiger Schritt, ob mit oder ohne…

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Die 5. besten Kunstmuseen der Welt und die ikonischen Meisterwerke, die sie beherbergen

Derzeit gibt es mehr als 55.000 Kunstmuseen in 202 Ländern der Welt. Und obwohl Kunstmuseen zu den wichtigsten kulturellen Institutionen gehören – sie bewahren die Geschichte. Sie zeigen die Kreativität der Menschheit und bieten einzigartige Einblicke in verschiedene Kulturen und Identitäten. Es ist kein Geheimnis, dass nicht alle Museen gleich sind. Obwohl der Kunstgeschmack sehr subjektiv ist, gibt es zahlreiche Möglichkeiten, Museen zu bewerten, z. B. nach der Anzahl der jährlichen Besucher oder danach, wie fortschrittlich das kuratorische Programm ist. Für diese Liste haben wir die 5 größten Kunstmuseen auf der ganzen Welt identifiziert. Je nachdem, welche die größten und umfassendsten Sammlungen ikonischer Kunst haben. Was macht ein Kunstwerk ikonisch, fragen Sie? Das sind die Kunstwerke, die in der Popkultur auftauchen, von Künstlern, die „bekannte Namen“ sind, und die wahrscheinlich auch von denen erkannt werden, die nicht formal Kunstgeschichte studiert haben. Ist der Kunstkanon insofern problematisch, als er komplett eurozentrisch ist und von weißen Männern dominiert wird? Auf jeden Fall. Ohne in eine Debatte darüber einzusteigen, was ein großartiges Museum großartig macht, hier sind die besten Kunstmuseen der Welt, basierend auf der Anzahl der berühmten Meisterwerke, die sie beherbergen, in keiner bestimmten Reihenfolge. DAS LOUVRE-MUSEUM Paris, Frankreich Obwohl wir gerade gesagt haben, dass diese Liste keine Rangliste ist, ist es schwer, den Louvre in Paris nicht an erster Stelle zu nennen, egal nach welchen Kriterien wir urteilen. Es wird am meisten besucht (2018 hatte das Museum 10,2 Millionen Besucher), ist physisch das größte (mit einer Fläche von 782.910 Quadratmetern) und beherbergt etwa 380.000 Kunstwerke, von denen einige absolut ikonische Werke der Geschichte sind. Von Jean Auguste Dominique Ingres‘ Grande Odalisque (1814) über Eugène Delacroix‘ Liberty Leading the People (1830) bis hin zu einem kleinen Gemälde von Leonardo da Vinci namens Mona Lisa (ca. 1503-1506) – die berühmten Meisterwerke in diesem historischen Museum werden Sie beeindrucken. Kein Wunder, dass die Vereinigten Arabischen Emirate mehr als 500 Millionen Dollar an Frankreich zahlten, um den Namen „Louvre“ für ihr Museum in Abu Dhabi zu lizenzieren, und Beyoncé sich entschied, dort ein Musikvideo zu drehen – der Louvre ist wirklich so gut, wie es Kunstmuseen gibt. DAS MUSEUM FÜR MODERNE KUNST New York, NY Der Versuch, alle Meisterwerke im Museum of Modern Art in New York City aufzulisten, ist überwältigend und macht es zu einem leichten Anwärter auf dieser Liste. Die sich ständig weiterentwickelnde Sammlung von fast 200.000 Werken der modernen und zeitgenössischen Kunst umfasst berühmte Stücke wie Vincent van Goghs Die Sternennacht (1889), Salvador Dalís Das Fortbestehen der Erinnerung (1931) und Pablo Picassos Les Demoiselles d’Avignon (1907). Weitere Werke, die man nicht verpassen sollte, sind Andy Warhols Gold Marilyn Monroe (1962) und Frida Kahlos Selbstporträt mit abgeschnittenem Haar (1940). Das MoMA wird am 21. Oktober mit erweiterten Galerien und Räumen wiedereröffnet, und wir können es kaum erwarten, es zu besuchen. STAATLICHES ERMITAGE-MUSEUM St. Petersburg, Russland Das Staatliche Eremitage-Museum ist das zweitgrößte Kunstmuseum der Welt und verfügt über die größte Gemäldesammlung der Welt. Der epische Museumskomplex besteht aus sechs Gebäuden, darunter der Winterpalast, der früher die Residenz der russischen Zaren war. Obwohl die Sammlung über drei Millionen Objekte umfasst, die von der Steinzeit bis ins frühe 20. Werke von Rubens, Tizian, da Vinci, Picasso, Cézanne und Goya sind alle im Museum vertreten, so dass es schwer ist, nur ein paar Meisterwerke hervorzuheben. Aber die vielleicht berühmtesten Werke sind Camille Pissarros „Der Boulevard Montmarte in Paris“ (1897), Vincent Van Goghs „Strohgedeckte Hütten und Häuser“ (1890) und Rembrandts „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ (1669). TATE MODERN London, England Das ehemalige Kraftwerk Bankside Power Station wurde im Jahr 2000 in die Tate Modern umgewandelt. Sie ist mit 5,9 Millionen Besuchern im letzten Jahr offiziell die beliebteste Attraktion in Großbritannien. Die Tate Modern beherbergt eine der größten Surrealismus-Sammlungen der Welt. Sie beherbergt Dalís Meisterwerke „Vergessener Horizont“ (1936) und „Metamorphose des Narziss“ (1937). Weitere bemerkenswerte Werke sind Nan Goldins Nan one month after being battered (1984), Umberto Boccionis Unique Forms of Continuity in Space (1913), Mark Rothkos „Seagram Murals“ (1950) und Piet Mondrians Composition B (No.II) with Red (1935). MUSEO NACIONAL DEL PRADO Madrid, Spanien 1819 als Königliches Museum für Malerei gegründet, spiegelt die Sammlung des Prado weitgehend den Kunstgeschmack des spanischen Königshauses wider. Das Museum besitzt die umfangreichste Sammlung von Werken des berühmten spanischen Malers Diego Velazquez. Das bekannteste Meisterwerk im Museum ist sicherlich Velazquez‘ Las Meninas (1656). Kunstliebhaber werden auch Hieronymus Boschs Triptychon Der Garten der Lüste (1503-1515) und Francisco Goyas Der dritte Mai 1808 (1814) erkennen. Weitere interessante Beiträge: 10 Dinge über Claude Monet, Kunst unter Einfluss von Drogen – 20 Werke von Pollett

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Warum Kunst und Kreativität wichtig sind

Ihr Vorschulkind hat viel Spaß beim Malen mit verschiedenen Farben. Sie versuchen, sie zu ermutigen, und fragen sie: „Was machst du?“, und sie zuckt mit den Schultern. Bis Sie es erwähnten, hatte sie nicht darüber nachgedacht. Kunst und Kreativität ist für Kinder etwas ganz anderes wie für Erwachsene. Kleine Kinder sind Meister des Augenblicks – sie lieben es, wie es sich anfühlt, wenn sie Farbe auf das Papier schmieren, wie es aussieht, wenn sie Glitzer streuen, und sogar das leise Geräusch, das ein Pinsel macht, wenn er über die Seite fährt, sagt Amy Yang, Gründerin von Brooklyn Design Lab, einer Kunstschule für Kinder. Anders als ältere Kinder und Erwachsene sind die meisten Kleinkinder und Vorschulkinder nicht selbstbewusst in Bezug auf das, was sie tun, oder darauf konzentriert, ein fertiges Produkt zu schaffen. Das kann für Eltern schwer zu akzeptieren sein, sagt Lisa Ecklund-Flores, Mitbegründerin und Geschäftsführerin der Church Street School for Music and Art in New York City. Aber loszulassen – und den Kindern zu erlauben, den Prozess des Schaffens zu genießen – kann große Vorteile bringen. „Kinder sind langfristig besser dran, wenn man ihnen erlaubt, einfach im Moment zu sein und sich auszudrücken“, sagt sie.Warum Kunst? Die Förderung der Kreativität erhöht nicht nur die Chancen Ihres Kindes, der nächste Picasso zu werden. Sie helfen ihm auch bei seiner geistigen, sozialen und emotionalen Entwicklung, sagt Ecklund-Flores. Laut Mary Ann F. Kohl, Autorin von Primary Art, kann das Schaffen von Kunst und Kreativität die Fähigkeit von Kleinkindern zur Analyse und Problemlösung auf unzählige Arten fördern: It’s the Process, Not the Product. Wenn Kinder mit einem Pinsel hantieren, verbessern sich ihre feinmotorischen Fähigkeiten. Durch das Zählen von Teilen und Farben lernen sie die Grundlagen der Mathematik. Wenn Kinder mit Materialien experimentieren, beschäftigen sie sich mit der Wissenschaft. Am wichtigsten ist vielleicht, dass Kunst das Selbstvertrauen stärkt, wenn Kinder sich wohl fühlen, während sie etwas schaffen. Und Kinder, die sich in der Lage fühlen, zu experimentieren und Fehler zu machen, fühlen sich frei, neue Denkweisen zu erfinden, was weit über den Bastelraum hinausgeht. 6 Wege, Kreativität zu inspirieren Fördern Sie prozessorientierte Kunst mit den Ratschlägen von Leslie Bushara, stellvertretende Direktorin für Bildung am Children’s Museum of Manhattan. Frische Kunst-Ideen Diese Projekte von Kunstpädagogen gehen über das Kritzeln mit Markern oder Buntstiften hinaus und ermutigen Kinder, den Prozess des Kunstmachens zu genießen. Natürliche Arrangements: Stellen Sie Ihrem Kind natürliche Objekte wie Tannenzapfen, Steine, Stöcke, Blätter und Muscheln sowie eine leere Leinwand zur Verfügung. Lassen Sie es seine Naturmaterialien auswählen und in verschiedenen Mustern und Designs auf der Leinwand anordnen. Cathy Southerland, Leiterin der frühkindlichen Bildung im Children’s Museum of Indianapolis Rasierschaum-Leinwand: Sprühen Sie Rasierschaum auf ein Keksblech und geben Sie ein paar Tropfen Lebensmittelfarbe hinzu. Lassen Sie Ihr Kind die Farben mischen und Muster in den Schaum malen. Cathy Southerland, Leiterin der frühkindlichen Bildung im Children’s Museum of Indianapolis Drucken mit gefundenen Gegenständen: Nehmen Sie Alltagsgegenstände (Flaschendeckel, Holzstücke, ausgeschnittene Pappe, Obst- und Gemüsescheiben, Korken, Schwämme, Markierungskappen) und lassen Sie Kinder ab 4 Jahren diese in abwaschbare Farbe tauchen, die auf einer Schaumstoffplatte verteilt wurde. Verwenden Sie die Objekte, um einzigartige Drucke zu erstellen. Amy Yang, Gründerin von Brooklyn Design Lab Verpackungs-Erdnuss-Skulptur: Befeuchten Sie das Ende einer Verpackungs-Erdnuss“ (die biologisch abbaubare Sorte aus Maisstärke) leicht und kleben Sie sie an eine andere, um hohe, spiralförmige Türme und schöne Formen zu bauen. Mit dieser Kunst steigern Sie die Kreativität enorm und bieten Ihrem Kind gleichzeitig auch Spaß. Andrew Ackerman, Geschäftsführer des Children’s Museum of Manhattan Die ultimative Kunst-Bedarfsliste

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Die besten Bleistifte zum Zeichnen und Skizzieren

Obwohl das Zeichnen und Skizzieren mit dem Bleistift einfach zu sein scheint, gibt es mehrere Faktoren, die bei der Wahl des Materials zu berücksichtigen sind. Einige Bleistifte sind aus Holzkohle, während andere aus Blei hergestellt sind, und selbst unter den besten Bleistiften gibt es große Unterschiede in der Festigkeit und Farbe. Die Auswahl des richtigen Bleistifts für Ihre Bedürfnisse ist der erste Schritt zu einem erfolgreichen Projekt. Standard-Graphitstifte Die gebräuchlichsten Bleistifte sind Standard-Graphitstifte, die es in verschiedenen Härtegraden gibt. Diese sind in der Regel von 2H bis 6B beschriftet. Je höher die Zahl neben H, desto härter ist die Mine des Bleistifts, und je höher die Zahl neben B, desto weicher ist die Mine. Bleistifte mit fester Mine sind ideal für Stippling, eine Technik, bei der sehr kleine Linien, fast wie Striche, gezogen werden. Stippling wird oft in der Porträtmalerei verwendet, um die Iris der Augen zu skizzieren und den Eindruck von Stoppeln und feiner Gesichtsbehaarung zu erzeugen. Graphitstifte (Stick Pencils) Graphitstifte bestehen aus festen Graphitstiften, die in der Regel mit einem Kunststoffüberzug versehen sind, um die Finger sauber zu halten. Diese Stifte können dickere und kräftigere Linien als Standard-Graphitstifte erzeugen und sind ideal zum Blockieren von Schatten und dunklen Tönen auf einer großen Fläche Zeichenpapier. Graphitstifte sind ein Muss für die meisten Arten des Zeichnens. Da sie klare, kräftige Linien erzeugen, sind sie perfekt für Schraffuren, eine Schattierungstechnik, die entweder leicht oder schwer sein kann. Beim Schraffieren werden kleine, aneinander gereihte Linien gesetzt, um eine Füllfarbe zu erzeugen. Bei der Kreuzschraffur wird eine zweite Schicht von gebündelten Linien senkrecht zur ersten aufgetragen. Dies ist eine gute Möglichkeit, dunklere Schattierungen zu Ihren Porträts hinzuzufügen. Kohlestifte Kohlestifte werden aus gepresster Holzkohle hergestellt, die weich ist und tiefere und sattere Schwarztöne erzeugt. Diese Stifte eignen sich gut für impressionistische Zeichnungen und schnelle Skizzen. Eine großartige Technik für Kohlestifte ist das Schaben – das Bewegen des Stifts in kleinen, kreisförmigen Bewegungen. Indem Sie den Druck beim Zeichnen variieren, können Sie Tiefe und Textur erzeugen. Buntstifte Die Buntstifte, die die meisten Künstler verwenden, sind weicher als normale Buntstifte für den Unterricht. Ihre Farben bestehen aus Wachs oder Öl in Kombination mit einer Vielzahl von Pigmenten und Zusatzstoffen. Es gibt große Unterschiede in der Qualität der Buntstifte, die Künstlern zur Verfügung stehen, so dass Sie mit einigen verschiedenen Optionen experimentieren sollten, bevor Sie eine für Ihr Projekt auswählen. Aquarellstifte Aquarellstifte sind wasserlöslich und können mit Standard-Buntstiften gemischt werden, um Skizzen und Zeichnungen leuchtende Farben hinzuzufügen. Diese Stifte eignen sich auch perfekt für Mixed-Media-Projekte mit Aquarellfarben und Acrylfarben. Die Wahl des richtigen Papiers Bleistifte, in all ihren Variationen, verhalten sich unterschiedlich, je nachdem, welche Art von Zeichenpapier (oder eine andere Oberfläche) Sie verwenden. Alle Zeichenpapiere haben eine so genannte „Verzahnung“ oder Oberflächentextur, die von rau bis glatt reicht. Glattes Papier ist besser für Feder- und Tuschezeichnungen und Mischtechniken geeignet. Raues Papier eignet sich besser für Bleistift- und Kohleskizzen, da es mehr Pigmente aufnehmen kann. Experimentieren Sie mit verschiedenen Graden von „Zähnen“, um das beste Papier für Ihr Projekt zu finden. Wenn Sie sich an mehr trauen, könnten Sie versuchen eines von Bob Ross‘ Happy Little Paintings nachzumalen. Weitere interessante Beiträge: PicassoMonetRenaissanceMuseum of Modern Art

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Kunst unter Einfluss von Drogen – 20 Werke von Pollett

Der Grafikdesigner Brian Pollett, alias Pixel-Pusha, hat sich selbst an sein Limit gebracht, indem er zwanzig Tage lang jeden Tag eine neue Art von Droge nahm und coole Zeichnungen anfertigte. „Meine frühen Erkundungen mit Psychedelika und elektronischen Musikpartys haben das Binge-Projekt inspiriert“, sagte Pollet. „An diesem Punkt in meinem Leben möchte ich meine zeichnerischen Ideen über das ausdrücken, was ich von Psychedelika, dem kreativen Prozess und elektronischer Musik gelernt habe.“ Kunst unter Einfluss von Drogen ist definitiv ein spannendes Thema. Es zeigt, wie unterschiedlich das Gehirn arbeitet, wenn es unter dem Einfluss von Drogen steht. Brians Werke sind so einzigartig, dass eine Ausstellung im Museum of Modern Art definitiv denkbar wäre! „Stellen Sie sich vor, die Vergangenheit, die Zukunft und die lineare Zeit sind weg“, erklärte Pollett gegenüber A+. „Sie können sich nur auf Ihre Existenz in der Gegenwart konzentrieren. Die Vorstellung von morgen ist lächerlich. Die Drogeneffekte ermöglichen es mir, Kunst zu schaffen, ohne Sorge vor dem Urteil Außenstehender, ohne meinen Prozess zu sehr zu analysieren und intuitiv die ehrlichste Arbeit zu schaffen.“ Wir von „Yes-we-are-open“ befürworten in keiner Weise illegalen Drogenkonsum. Informieren Sie sich über Ihre örtlichen Gesetze, bevor Sie etwas potenziell Illegales konsumieren. Sollten Sie Hilfe suchen oder jemanden kennen, der Hilfe benötigt, schauen Sie sich unbedingt bei der Caritas oder anderen Hilfsorganisationen um! 1. Tag — Butylone 2. Tag — G.H.B. 3. Tag — Codeine 4. Tag — T.H.C. 5. Tag — Alcohol 6. Tag — Nitrous 7. Tag — Cocaine 8. Tag — Psilocybin 9. Tag — 4-HO-MIPT 10. Tag — Poppers 11. Tag — DMT 12. Tag — Ether 13. Tag — 25I 14. Tag — MXE 15. Tag — MDMA 16. Tag — Amphetamine 17. Tag — Mescaline 18. Tag — Ketamine 19. Tag — LSD 20. Tag — Love Mythen und Fakten über Konsum von Drogen und Abhängigkeit Mythos 1: Die Überwindung der Sucht ist einfach eine Frage der Willenskraft. Man kann mit dem Drogenkonsum aufhören, wenn man es wirklich will. Tatsache: Längerer Drogenkonsum verändert das Gehirn in einer Weise, die zu starkem Verlangen und einem Zwang zum Konsum führt. Diese Gehirnveränderungen machen es extrem schwierig, durch bloße Willenskraft aufzuhören. Mythos 2: Der Gebrauch von Drogen wie opioiden Schmerzmitteln ist sicher, da sie so häufig von Ärzten verschrieben werden. Tatsache: Kurzfristiger medizinischer Gebrauch von Opioid-Schmerzmitteln kann helfen, starke Schmerzen, zum Beispiel nach einem Unfall oder einer Operation, zu behandeln. Eine regelmäßige oder längerfristige Einnahme von Opioiden kann jedoch zu einer Abhängigkeit führen. Der Missbrauch dieser Medikamente oder die Einnahme von Medikamenten anderer Personen kann gefährliche – sogar tödliche – Folgen haben. Mythos 3: Sucht ist eine Krankheit; man kann nichts dagegen tun. Tatsache: Die meisten Experten sind sich einig, dass Sucht eine Krankheit ist, die das Gehirn betrifft, aber das bedeutet nicht, dass jemand hilflos ist. Die mit der Sucht verbundenen Gehirnveränderungen können durch Therapie, Medikamente, Bewegung und andere Behandlungen behandelt und rückgängig gemacht werden. Mythos 4: Süchtige müssen erst am Tiefpunkt angelangt sein, bevor sie gesund werden können. Tatsache: Die Genesung kann an jedem Punkt des Suchtprozesses beginnen – je früher, desto besser. Je länger der Drogenmissbrauch andauert, desto stärker wird die Sucht und desto schwieriger ist sie zu behandeln. Warten Sie mit dem Eingreifen nicht, bis der Süchtige alles verloren hat. Mythos 5: Man kann jemanden nicht zu einer Behandlung zwingen; er muss die Hilfe wollen. Tatsache: Eine Behandlung muss nicht freiwillig sein, um erfolgreich zu sein. Menschen, die von ihrer Familie, ihrem Arbeitgeber oder dem Rechtssystem zu einer Behandlung gedrängt werden, profitieren genauso davon wie diejenigen, die sich von sich aus in Behandlung begeben. Wenn sie nüchtern werden und sich ihre Gedanken klären, beschließen viele ehemals resistente Süchtige, dass sie sich ändern wollen. Mythos 6: Die Behandlung hat schon einmal nicht funktioniert, also gibt es keinen Grund, es noch einmal zu versuchen. Tatsache: Die Genesung von der Drogenabhängigkeit ist ein langer Prozess, der oft mit Rückschlägen verbunden ist. Ein Rückfall bedeutet nicht, dass die Behandlung gescheitert ist oder dass Nüchternheit eine verlorene Sache ist. Vielmehr ist es ein Signal, wieder auf den richtigen Weg zu kommen, entweder durch eine erneute Behandlung oder eine Anpassung des Behandlungsansatzes. Vorsicht beim Konsum von Drogen Bitte experimentieren Sie nicht mit verschiedenen Drogen. Drogen sind immer gefährlich, auch, wenn Sie nur geringe Mengen einnehmen, um Kunst unter dem Einfluss von Drogen zu schaffen. Interessante Fakten: PicassoClaude MonetBob Ross

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10 Dinge über Claude Monet

Claude Monets Name ist ein Synonym für die bahnbrechende französische Impressionismus-Bewegung des 19. Jahrhunderts. Jahrhunderts. Als einer der produktivsten Maler der Welt ist Monets Ruf seit Generationen unerschütterlich geblieben. Doch trotz seiner weit verbreiteten Anerkennung, was weißt du wirklich über das Leben von Monet? In Anbetracht der aktuellen Ausstellung ‚Painting the Modern Garden‚ in der Royal Academy, betrachte die Aspekte von Monets Leben, die dazu beigetragen haben, einen der größten Künstler der Geschichte zu formen. Damit du einen guten Überblick hast, haben wir hier 10 Dinge über Claude Monet, die du unbedingt wissen solltest! 1. Monet begann in der Schule Karikaturen zu zeichnen Wir beginnen die Liste der 10 Dinge über Claude Monet mit seiner Kindheit: Der impressionistische Maler begann seine Karriere im Klassenzimmer. Hier drückte Monet sein Desinteresse an der Schule aus und zog es vor, Skizzen und Karikaturen von seinen Lehrern und Mitschülern zu zeichnen. Während seiner Erkundungen als junger Künstler machte sich Monet in seiner Heimatstadt Le Havre einen Namen als kreativer Künstler und verkaufte seine Bilder für kleine Summen. 2. Sein Freund Eugene Boudin half ihm, ein Landschaftsmaler zu werden In Le Havre lernte Monet Eugene Boudin kennen, einen der ersten Landschaftsmaler, der im Freien malte und ihm den Titel „König der Lüfte“ gab. Boudin bemerkte das Talent des jungen Monet und lud ihn ein, mit ihm in der Normandie en plein air (im Freien) zu malen. Diese Ermutigung erwies sich als ausschlaggebend für Monets Entwicklung als Landschaftsmaler, wo er von Boudins Wunsch, das Licht in seinen Bildern einzufangen, lernte. 3. Monets enge Beziehung zu den Hoschèdès Im Jahr 1878 zog Monet mit seiner Familie in das Haus des Kunstsammlers Ernest Hoschèdè. Hoschèdè war ein wohlhabender Kunstmäzen und hatte selbst eine Familie. Aufgrund der schlechten Gesundheit von Monets Frau Camille, half Ernests Frau Alice ihm oft bei der Pflege seiner Söhne Jean und Michel. Diese Beziehung wuchs nach Camilles Tod im Jahr 1879 und trotz Alices Heiratsstatus, verfolgten sie und Monet eine Beziehung. Diese wurde 1892, nach dem Tod von Ernest im selben Jahr, in ihrer Ehe vollzogen. 4. Der Einfluss des japanischen Künstlers Hokusai auf Monets Werk Von großem Einfluss auf Monets Stilentwicklung war seine Faszination für japanische Kunst und Drucke. Er besaß 231 japanische Holzschnitte, unter denen Hokusai besonders ausgeprägt war. Der bedeutendste Beweis für den Einfluss von „La Japonaise“ in Monets Werk ist sein Gemälde von Camille in einem Kimono gekleidet. Monets Interesse am japanischen Stil fand ein Echo in der gesamten französischen Gesellschaft, die im 19. Jahrhundert eine Mini-Besessenheit mit dem Orient erlebte. Auch Monets berühmtestes Motiv, die Seerosen, wird auf sein Interesse an japanischer Kunst zurückgeführt. 5. Wie er als Vater des Impressionismus bekannt wurde Wir sind schon bei Nr. 5 der 10 Dinge über Claude Monet! Im Jahr 1872 malte Monet das Bild Impression, Sonnenaufgang. Es wurde 1874 in der ersten Impressionisten-Ausstellung in Paris gezeigt. Der Kunstkritiker Louis Leroy gab Monets Werk den Begriff „Impressionismus“ und wollte damit Monet und seine Zeitgenossen für ihre klare Respektlosigkeit gegenüber dem klassischen Stil herabsetzen. Anstatt den Begriff abzulehnen, nahmen die zeitgenössischen Künstler ihn an und er wurde bald zum Slogan für den neuen künstlerischen Kreuzzug. 6. Der Einfluss, den die Fotografie auf die impressionistische Bewegung hatte Heute wird Impression, Sonnenaufgang als ein Wendepunkt in der Kunstgeschichte gefeiert, trotz der Kritiker, die es anfangs verspotteten. Monets Beginn als Vater des Impressionismus wurde mit Beschwerden konfrontiert, dass seinen Bildern die Form fehle, sie unvollendet und hässlich seien. Es wird jedoch argumentiert, dass seine künstlerische Entwicklung durch die Entwicklung der Fotografie im Jahr 1839 entstanden ist. Die Fähigkeit der Kamera, jedes Motiv abzubilden, führte zu einer Enttäuschung über den Realismus und ermutigte junge zeitgenössische Künstler, die Kunst weiterzuentwickeln. 7. Monets Leben, bevor er nach Giverny zog Während des französisch-preußischen Krieges (1870-1871) zog Monet zusammen mit Pissarro und Daubigny nach London. Er kehrte jedoch schnell nach Paris zurück und lebte von 1871 bis 1878 in Argenteuil. Im Jahr 1883 erwarb Monet sein berühmtes Anwesen außerhalb von Paris. Hier wohnte Monet für den Rest seines Lebens, und hier wurde auch seine Liebe zu den Seerosen verwirklicht. 8. Die Geschichte hinter Frau im grünen Kleid Monet hatte sich vorgenommen, für den Pariser Salon 1866 ein monumentales Mittagsmahl im Gras zu malen. Aus Zeitgründen beschloss Monet, das Werk durch ein Gemälde seiner Frau Camille mit dem Titel Frau im grünen Kleid zu ersetzen. Obwohl es etwas unkonventionell war, verschaffte dieses Gemälde Monet Anerkennung im Salon. Doch was noch wichtiger war, es half ihm bei seinen finanziellen Sorgen und wurde für 800 Francs verkauft, eine große Summe, die dem Künstler nicht bekannt war. 9. Das Ergebnis von mehreren Ablehnungen im Pariser Salon In seinen frühen Jahren hatte Monet nur begrenzten Erfolg. In den 1860er Jahren akzeptierte der Pariser Salon eine Handvoll Landschaftsbilder, doch 1867 wurde Frau im Garten vom Salon abgelehnt, was Monet dazu zwang, sich anderweitig um Mäzenatentum zu bemühen. 10. Die Gründung der „Anonymen Gesellschaft der Maler, Bildhauer, Grafiker, usw.“. Die Anonyme Gesellschaft der Maler, Bildhauer, Grafiker etc. wurde 1874 gegründet. Zu den ersten Mitgliedern gehörten u.a. Monet, Degas und Pissarro. Die Männer lösten sich von dem offiziellen jährlichen Pariser Salon, bei dem eine Jury von Künstlern der Academie de Beaux-Arts Medaillen an Künstler vergab, die sie für würdig hielten. Die Ausstellung zeigte die Vielfalt der Stile, die zeitgenössische Künstler vermitteln konnten und betonte die Abkehr vom traditionellen Stil, der den Pariser Salon im späten 19. Jahrhundert dominierte. Abgesehen von Claude Monets Status als Vater des Impressionismus, erlebte er im Laufe seines Lebens eine Vielzahl von Erfolgen und Misserfolgen. Seine verträumten Landschaften stehen in der Liga der bedeutendsten Gemälde der Geschichte und demonstrieren sein Genie als einer der größten Maler der Welt und seinen Weg zum Erfolg. Das waren jetzt 10 Dinge über Claude Monet. Wir hoffe, es hat dir ein wenig weitergeholfen! Weitere Fakten über: PicassoMuseum of Modern ArtDie RenaissanceKunst unter Einfluss von Drogen

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10 spannende Fakten über Pablo Picasso

Sind Sie bereit, 10 spannende Fakten über Pablo Picasso zu erfahren? Als einer der bedeutendsten Künstler des 20. Jahrhunderts ist Pablo Picasso das Thema zahlreicher Bücher und Filme gewesen. Der gefeierte Künstler lebte sein Leben in vollen Zügen und blieb bis zu seinem Tod im Jahr 1973 im Alter von 91 Jahren aktiv und kreativ. Picasso, der vor allem als einer der Begründer des Kubismus bekannt ist, war ein produktiver Künstler, der im Laufe seines Lebens viele Perioden und Stile durchlief. Und wie es bei Genies oft der Fall ist, ist seine persönliche Geschichte genauso interessant wie seine Kunstwerke. Picasso war ein Wunderkind, und sein künstlerisches Schaffen begann schon in jungen Jahren. Der 1881 geborene spanische Künstler wurde stark von Diego Velazquez und Francisco Goya (Meistermaler aus seinem Heimatland) beeinflusst, zog aber später nach Paris. Er verbrachte den größten Teil seines erwachsenen Lebens in Frankreich und saugte Einflüsse aus aller Welt in sich auf, seien es die postimpressionistischen Werke von Cézanne oder afrikanische Artefakte. Es gibt viele faszinierende Details aus Picassos Leben, die das Verständnis für seine Kunstwerke bereichern. Ein hochkomplexes, wenn nicht gar schwieriges Individuum, viele Ereignisse haben sein Leben und sein Vermächtnis geprägt. Um ein noch tieferes Verständnis von Picasso zu erlangen, lesen Sie weiter und erfahren Sie 10 spannende Fakten, über Pablo Picasso. Um noch mehr zu erfahren, können Sie sich ein Exemplar von Patrick O’Brians hochgelobter Biografie über Picasso besorgen. 1. Pablo Picassos voller Name ist viel länger, als man denkt. Der Name Pablo Picasso ist ein alliteratives Vergnügen, aber der vollständige Name des Künstlers ist ein echter Zungenbrecher. Getauft auf den Namen Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Martyr Patricio Clito Ruíz y Picasso, besteht sein vollständiger Name aus 23 Wörtern. Die Namen basieren auf einer Liste von Heiligen und Verwandten. Interessanterweise stammt sein berühmter Nachname von seiner Mutter, María Picasso y López. Er erklärte die Entscheidung, den Nachnamen seiner Mutter anzunehmen, mit den Worten: „[Picasso] war seltsamer, klangvoller als ‚Ruiz‘. Und das sind wahrscheinlich die Gründe, warum ich ihn angenommen habe. Wissen Sie, was mich an diesem Namen gereizt hat? Nun, es war zweifelsohne das doppelte ’s‘, was in Spanien ziemlich ungewöhnlich ist. Picasso ist italienischer Herkunft, wie Sie wissen. Und der Name, den eine Person trägt oder annimmt, hat seine Bedeutung. Können Sie sich vorstellen, dass ich mich Ruiz nenne? Pablo Ruiz? Diego-José Ruiz? Oder Juan-Népomucène Ruiz?“ 2. Seine ersten Worte als Kind waren ein Vorgeschmack auf seine Zukunft. Während die ersten Worte der meisten Kinder „Mama“ oder „Dada“ sind, war Picasso von Anfang an ein echter Künstler. Picassos Mutter sagte, dass sein erstes Wort „piz“ war, was die Abkürzung für lápiz ist – das spanische Wort für Bleistift. Es ist kein Wunder, dass seine Familie schon früh mit seiner Kunsterziehung begann! 3. Als Wunderkind vollendete Picasso sein erstes Gemälde im Alter von 9 Jahren. Picassos Vater José Ruiz y Blasco war ein Maler und Kunstlehrer, der schnell erkannte, dass sein Sohn etwas Besonderes war. Er begann Picassos Kunsterziehung im Alter von 7 Jahren. Ruiz war ein strenger Akademiker, der glaubte, dass Künstler durch das Kopieren der großen Meister, sowie durch Gipsabdrücke und lebende Modelle lernen sollten. Picassos frühe Bleistiftzeichnungen und Ölgemälde zeigen, wie geschickt er schon als Kind war. Sein frühestes Gemälde, Der Picador, wurde fertiggestellt, als er gerade 9 Jahre alt war, und mit 13 Jahren wurde er an der Schule der Schönen Künste in Barcelona aufgenommen. Unglaublich, dass er die strenge Aufnahmeprüfung, die normalerweise einen Monat dauerte, in nur einer Woche absolvieren konnte. 4.Picassos Vater gab die Kunst auf, nachdem er die Talente seines Sohnes gesehen hatte. Obwohl Picassos Vater ein ausgebildeter Künstler war und an der Schule der Schönen Künste in Barcelona unterrichtete, heißt es, dass er große Ehrfurcht vor dem Talent seines Sohnes hatte. Ruiz spezialisierte sich auf Zeichnungen von Tauben und Tauben und als Picasso gerade 13 Jahre alt war, beobachtete sein Vater ihn, wie er Ruiz‘ unfertige Skizze einer Taube übermalte. Er war von der Arbeit so beeindruckt, dass er erklärte, er werde die Malerei aufgeben, da sein Sohn ihn übertroffen habe. Es gibt spätere Gemälde von Ruiz, also hat er offensichtlich nicht ganz aufgegeben. Vater und Sohn hatten weiterhin eine unbeständige Beziehung und stritten sich häufig. Nun sind wir bereits bei der Hälfte der 10 spannende Fakten über Pablo Picasso! 5. Er war viel mehr als nur ein Maler. Picasso hat nicht nur gemalt, er war auch Bildhauer, Keramiker, Dichter, Dramatiker und Bühnenbildner. Im Bereich des Bühnenbildes begann Picasso während des Ersten Weltkriegs eine Zusammenarbeit mit der Pariser Kompanie Ballets Russes. Er entwarf kubistische Bühnenbilder und Kostüme für mehrere Produktionen, die im Laufe der Zeit immer bekannter geworden sind. Bei dieser Zusammenarbeit lernte Picasso auch seine erste Frau Olga Khokhlova kennen, die Tänzerin des Ensembles war. Zur Poesie kam Picasso erst später im Leben. 1935, nach dem Ende seiner ersten Ehe, begann er ernsthaft zu schreiben. Zwischen 1935 und 1959 schrieb er über 300 Gedichte. In den 1940er Jahren schrieb er zwei abendfüllende Theaterstücke, Desire Caught by the Tail und The Four Little Girls. Beide waren surrealistische Werke, die im Stil des Bewusstseinsstroms geschrieben waren. 6. Er wurde einmal verdächtigt, die Mona Lisa gestohlen zu haben. 1911, als Picasso 29 Jahre alt war, wurde die Mona Lisa von Leonardo da Vinci aus dem Louvre gestohlen. Der französische Dichter Guillaume Apollinaire wurde als Verdächtiger herangezogen und beschuldigte seinen Freund Picasso, was dazu führte, dass der Künstler zum Verhör vorgeladen wurde. Beide Männer wurden schließlich entlastet. Zwei Jahre später wurde entdeckt, dass ein italienischer Louvre-Angestellter, Vincenzo Peruggia, das Gemälde gestohlen hatte, weil er glaubte, dass es in ein italienisches Museum gehörte. 7. Picasso half, die moderne Collage zu erfinden. Zusammen mit Georges Braque, dem Mitbegründer des Kubismus, erfand Picasso die Collage, wie wir sie heute kennen. Tatsächlich kommt der Begriff von dem französischen Wort coller, was „kleben“ bedeutet. Picasso machte sich diese Technik zu eigen und klebte Fragmente von Tapeten und Zeitungsausschnitten neben seine Gemälde. Er…

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10 überraschende Fakten über das Museum of Modern Art

Das Museum of Modern Art (MoMA) wurde 1929, nur neun Tage nach dem Wall-Street-Crash am Schwarzen Freitag, gegründet und ist heute weltberühmt für seine umfassende Sammlung moderner Kunst. Was mit acht Druckgrafiken und einer Zeichnung begann, umfasst heute rund 200.000 Werke aus der ganzen Welt und aus verschiedenen Genres, darunter Millionen von Filmen und Filmstills. Hier tauchen wir in zehn Fakten ein, die Sie vielleicht nicht über das Museum of Modern Art wissen. 1. Das MoMA wurde von den bahnbrechenden Sammlern moderner Kunst Abby Aldrich Rockefeller (Ehefrau von John D. Rockefeller, Jr., oben), Lillie P. Bliss und Mary Quinn Sullivan gegründet. Zunächst erhielt Abby keine Unterstützung von ihrem Ehemann, der moderne Kunst verachtete, aber er stiftete schließlich das Land für den heutigen Standort des MoMA. 2. Das MoMA begann in einem gemieteten Raum mit sechs Galerien in Manhattans Heckscher Building. Die Popularität machte in den nächsten zehn Jahren drei aufeinanderfolgende Umzüge in größere Räumlichkeiten notwendig. Das schlichte, modernistische Gebäude des MoMA wurde 1939 mit einer Radioansprache von Präsident Franklin D. Roosevelt vor 6.000 Menschen eröffnet. Das Gebäude wurde im Laufe der Jahre renoviert und erweitert, zuletzt im Jahr 2019, um ein größeres Publikum zu ermöglichen und mehr von der umfangreichen Sammlung ausstellen zu können. 3. Im Jahr 1959 tötete ein Feuer während der Installation einer Klimaanlage einen Bauarbeiter und zerstörte das ikonische 18 Fuß lange Gemälde „Monet Water Lilies“ des MoMA. Das jetzt ausgestellte Triptychon ist ein Ersatz. 4. Das MoMA hat sich auf sechs Sammlungsabteilungen erweitert: Malerei und Skulptur, Architektur und Design (1931), Film und Medien (1935), Fotografie (1940), Drucke und illustrierte Bücher (1969) und Zeichnungen (1971). Das MoMA war das erste Museum, das Abteilungen für Architektur und Design, Film und Fotografie einrichtete. 5. Der erste Sculpture Garden wurde in nur einer Nacht geplant. Der heutige Raum, der Abby Aldrich Rockefeller gewidmet ist, wurde erstmals 1953 entworfen und ist heute das Herzstück des Museums. Eine der vielen faszinierenden Skulpturen ist ein echtes Eingangstor der Pariser U-Bahn. Dieser gusseiserne Bogen im Jugendstil von 1900, entworfen von Hector Guimard, setzt einen reizvollen Akzent auf den Parkwegen. 6. Im Jahr 2008 entwarf der Künstler und Musiker David Byrne im Rahmen einer Partnerschaft zwischen dem Verkehrsministerium und der Kunstgalerie PaceWildenstein neun skulpturale Fahrradständer, die 11 Monate lang in ganz New York aufgestellt wurden, darunter auch einer mit dem Titel MoMA am Eingang des Museums. 7. Das MoMA verfügt über Forschungseinrichtungen von Weltklasse. Mit über 300.000 Büchern, Künstlerbüchern, Zeitschriften, individuellen Akten zu über 90.000 Künstlern, einem Konservierungslabor und über 2.500 veröffentlichten Werken in 35 Sprachen verfügt es über mehr Forschungsmaterial als jedes andere Kunstmuseum. 8. Das MoMA bietet eine Reihe von Online-Kursen über Coursera an, in denen Sie etwas über ihre Sammlung und Kunst im Allgemeinen lernen können. 9. Zusätzlich zu den sechs Etagen des MoMA, die Ausstellungen mit Werken vom 19. bis zum 21. Jahrhundert beinhalten, gibt es auch Ateliers für Performance-Kunst und private Räume für Filmvorführungen. Filme können auch im Museum ausgeliehen oder gekauft werden. 10. Als Teilnehmer am Google Art Projekt sind Online-Touren möglich. Es gibt auch umfangreiche Fotos der MoMA-Sammlungen mit schriftlichen und Audio-Kommentaren, die mit der Website des MoMA verlinkt sind. Bob RossKunst unter EinflussWarum ist Kreativität wichtig?10 Fakten über die Renaissance5 besten Kunstmuseen

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Top 10 interessante Fakten über die Renaissance

Hier sind zehn Fakten über die Renaissance, die uns helfen diese besser zu verstehen, und warum sie sehr wichtig ist! Stellen Sie sich eine Welt ohne Bücher und Zeitungen vor, ohne Musik, schöne Gemälde, Kunst, Schnitzereien und Skulpturen, ohne Technik. Kurz gesagt, stellen Sie sich eine Welt ohne Zivilisation vor. Langweilig, oder? Vieles von dem, was wir heute in der Welt an Kunst, Architektur und Musik erleben, ist das Ergebnis einer europäischen Revolution; einer Wiedergeburt und einer Zeit, in der sich die Welt veränderte, deren Ursprung Italien war.  Die Renaissance. 1. Das definierte das Zeitalter der Renaissance Die Renaissance markierte das Ende des Mittelalters. Die Ära markierte eine andere Art zu denken und eine andere Art, Dinge zu tun. Das Zeitalter der Renaissance war die Zeit zwischen dem Mittelalter (500AD-1500AD) und der Neuzeit. Dies war eine Zeit, in der der Renaissance-Mensch, auch bekannt als Menschen, die in vielen Bereichen bewandert waren, wie zum Beispiel Leonardo da Vinci, geprägt wurde.  Das Christentum erlebte auch eine Revolution, als Martin Luther King gegen die katholische Kirche auftrat, die zu dieser Zeit extrem mächtig war, und so den Protestantismus hervorbrachte. Dies war auch als das Zeitalter der Entdeckungen bekannt, als Amerika von Kolumbus entdeckt wurde, ebenso wie die Entdeckung von Seewegen durch Leute wie Vasco da Gama. Die Italiener studierten die antike römische Lebensweise, Literatur und andere Dinge und erkannten, dass die Menschen in dieser Epoche ein anderes Leben führten. Deshalb gab es ab 1300 in den meisten Lebensbereichen Fortschritte in Dingen wie Musik, Poesie, Kunst und Bildung, die das Leben für die Menschen besser und angenehmer machen sollten. 2. Hochrenaissance Die Mona Lisa von Leonardo da Vinci, die David-Statue von Michelangelo und die Schule von Athen von Raffael wurden während der Periode geschaffen, die als Hochrenaissance bekannt ist, einer Periode von außergewöhnlicher künstlerischer Produktion. Während Michelangelo und Leonardo da Vinci bekannter sind und als die wichtigsten Maler der Renaissance gelten, war Giotto di Bondone, ein Maler aus Florenz, der erste, der etwas Neues in der Malerei ausprobierte, indem er den byzantinischen Stil, der im Mittelalter verwendet wurde, verließ und sich dafür entschied, Menschen und Dinge so zu malen, wie sie waren, anstatt der üblichen abstrakten Malerei. Eine weitere Tatsache, die mich fasziniert, ist die Tatsache, dass Michelangelo und Leonardo da Vinci menschliche Körper sezierten, um Menschen akkurat zeichnen und modellieren zu können! Nun, es war illegal für Menschen, die keine Ärzte waren, Körper zu sezieren, aber sie fanden irgendwie einen Weg, es zu tun, und sie waren die einzigen beiden, die Menschen so formen und zeichnen konnten, wie sie waren! War es Talent oder richtige Forschung? Die beiden waren Rivalen, Michelangelo war bekannt dafür, sich über Leonardo da Vinci lustig gemacht zu haben, weil er die Skulptur eines Pferdes nicht fertiggestellt hatte! Man stelle sich das vor! 3. King James Bibel Die King James Bibel wurde während der Zeit der Renaissance zusammen mit anderen Texten gedruckt, die zu dieser Zeit gedruckt wurden. Da die Kirche sehr beliebt und die reichste Einheit war, wurde diese Bibel die beliebteste. Das Team von Gelehrten und Übersetzern, das die Bibel herausgab, arbeitete sieben Jahre lang daran und wurde 1611 fertiggestellt.  4. Der Ursprung – Wiedergeburt Wir müssen den Italienern dafür danken, dass sie die Renaissance-Periode in der Welt eingeführt haben. Die Renaissance-Periode begann in Italien und verbreitete sich in anderen Teilen von Europa. Das Wort Renaissance ist jedoch ein französisches Wort, das Wiedergeburt bedeutet, was bedeutet, dass die Menschen zu dieser Zeit begannen, viele Dinge mit neuem Interesse zu betrachten, und dass sich zu dieser Zeit viele Dinge veränderten. Die Periode wird als zwischen dem Mittelalter und der Neuzeit liegend bezeichnet, wobei einige Leute sagen, dass sie zwischen dem 14. und 17. Jahrhundert lag. 5. Eine Zeit der Aufklärung Die Zeit der Renaissance ist einer der Wendepunkte und eine der wichtigsten Perioden der Weltgeschichte. Denken Sie an Kunst, denken Sie an Architektur, denken Sie an Poesie, Musik, Mode und Technik! Der Grund, warum die Renaissance in Italien begann, war, dass das Land extrem wohlhabend war und die Reichen daher bereit waren, ihr Geld für Dinge wie Kunst und Musik auszugeben. 6. Die Revolution des Buchdrucks Im Jahr 1450 führte Johannes Gutenberg den Buchdruck in Deutschland ein und dehnte sein Können auf ganz Europa aus; er veränderte die Geschichte und Zukunft der Texterhaltung und -vervielfältigung für immer. Auch die große Migration byzantinischer Gelehrter, die aus Konstantinopel nach Italien flohen und ihre Texte römischen und griechischen Ursprungs in die Region brachten, bereicherte die Welt der Literatur in dieser Zeit. Mit Gutenbergs Innovation ermöglichte die Verbreitung von Informationen und Ideen die Ausbreitung der Renaissance. 7. Sie führte zu einem besseren Verständnis des Humanismus Die Zeit der Renaissance ist gekennzeichnet durch den beliebten „Vater des Humanismus“, Francesco Patrarcha, ein Dichter und Gelehrter, der Ideen und Gedichte studierte und an andere Dichter in ganz Europa verbreitete. Seine Studien der Poesie und Philosophie des antiken Roms wurden zu einer Inspiration für viele in seinem Bereich. Humanismus bedeutete, dass die Menschen die Bedeutung und den Wert des Menschen in der Welt erkannten. Humanismus bedeutete, dass der Unterricht in Griechisch und Latein wichtig war, damit man ein moralisches und effektives Leben führen konnte! Aspekte wie die Buchhaltung wurden in der Zeit der Renaissance intensiviert, Werke über Buchhaltung und Rechnungswesen wurden in dieser Zeit veröffentlicht, einige vom Vater der Buchhaltung Luca Pacioli. 8. Kulturelle Bewegung Die Familie Medici war eine wohlhabende Bankiersfamilie, die ihre Ressourcen nutzte, um Künstler zu sponsern, um ihre humanistische Bewegung zu fördern. Die Familie ließ sich in den 1400er Jahren in Florenz nieder. Diese Periode markierte die Fortschritte in der wissenschaftlichen Revolution und der künstlerischen Transformation. Eine lustige Tatsache ist, dass Florenz und Rom während dieser Zeit Rivalen waren, obwohl sie das Zentrum des Ganzen waren. Rom wurde schließlich vom Papst erhoben und besiegte damit Florenz. Die Medici-Familie ist auf den meisten Gemälden aus dieser Zeit zu sehen, sie sind die Leute im Hintergrund, die rot tragen und Geld halten! 9. Die Wissenschaften Während dieser Zeit wuchsen die Wissenschaften sprunghaft an, dies…

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